Prototipo

Saludos, este 2012.

2012-01-05T20:26:00.003-05:00

Ha pasado mucho tiempo desde nuestra última publicación. Muchas cosas se han dado para los que hacemos y mantenemos esta bitácora, cosas buenas y otras que no lo son tanto.

Aprovechando el inicio de año queremos volver a acercarnos a ustedes, intentar rescatar la comunidad que teníamos, ya que las amistades no se olvidan solamente esperan a que llamemos por ellas.

Un saludo grande a todos ustedes este año nuevo y que sea de lo mejor para ustedes. Desde hoy volvemos con ganas y fuerza.

Mucha suerte.

El equipo de Prototipo.

Diseño LatinoAmericano

2009-11-16T09:02:00.007-05:00

"DiseñoLA.org es una organización Latinoamericana de concepción y divulgación de conocimientos, investigaciones, diálogos y propuestas en las disciplinas del Diseño Industrial, Diseño de Producto y fundamentos del Diseño, estructurada por la participación a través de proyectos intelectuales, de todas aquellas personas e instituciones Latinoamericanas vinculadas con el Diseño e interesadas en participar con sus ideas e investigaciones." (1)

Esta al aire Diseño LatinoAmericano, una iniciativa que busca ser una vitrina del Pensamiento de Diseño Latinoamericano. En su primer mes ha recibido visitas del todo el continente.

Más allá de los problemas políticos regionales, más allá de las fronteras, Diseño LA pretende demostrar que el Diseño y la producción intelectual no tiene fronteras.

Invitamos a todos nuestros lectores a participar de esta iniciativa. Prototipo Diseño tiene el honor de formar parte del comité editorial, por lo que estaremos gustosos de canalizar sus dudas, sugerencias, comentarios e inquietudes para participar con publicaciones en el Sitio del Pensamiento de Diseño Latinoamericano. Para contactarse con nosotros, haga click aqui.

Fuentes:

(1) Diseño LA: Presentación

Enlaces:

Diseño LA: Proyecto Latinoamericano de Producción Intelectual

Exposición: La idioSINgracia

2009-06-01T13:50:00.001-05:00

“Las sociedades del mundo han empezado a sufrir una trasgresión cultural, de tal magnitud que reciben información de otros medios distintos al de su origen, y provocan dudas sobre su verdadera identidad, tomando, aceptando, adoptando, copiando, asimilando y luchando a favor o en contra de la introducción de costumbres ajenas.”

Así empiezan los primeros textos del blog en el que se muestran los trabajos que van a ser parte de una muestra en la ciudad de Riobamba desde hoy 1 al 13 de junio de 2009 en el museo de la ciudad. El horario es de 08h00 a 18h00. Los trabajos son afiches trabajados con la técnica de la casi olvidada serigrafía y me tomo el permiso de decir: casi olvidada porque constantemente hemos visto como poco a poco van aumentando los sitios de impresión digital. Hablando un poco sobre esto se me ocurrió pedir a uno de los organizadores, específicamente a Damian que me explique el motivo de escoger ésta técnica para la reproducción:

“El trabajo se desarrollo ya que como ‘Disaikner’ estábamos de alguna manera perdiéndonos en el trabajo diario del diseñador. Con el consabido uso cada vez mayor. Hardware software!! todo el día.
Entonces decidimos regresar a lo básico, a lo romántico del diseño, realizar carteles con la técnica antigua, la serigrafía. Una vez planteada la técnica decidimos hablar de un tema polémico, del diario vivir, y ahí entra nuestra idiosincrasia ecuatoriana, nuestras costumbres, y nuestro comportamiento frente a distintas temáticas. Es por eso que intentamos mostrar lo que la gente vive pero no ve. Mostrar la "idioSINgracia" que tenemos como país.”

Los carteles serán alrededor de 30 y según Damián van a tener recuerdos y camisetas para la venta dentro de la exposición.
Esperamos que la gente de Riobamba pueda tomarse el tiempo necesario para darse una vuelta por ahí.
De paso que hoy la apertura sea un éxito y desde acá les deseamos mucha suerte.

Perfil: Estampida Diseño, de los inicios al futuro

2009-05-20T21:57:00.008-05:00

Estampida Diseño mira la luz en el año 2007, fruto de la unión de tres diseñadores: Ana María Arroyo, Christian Monsch y Francisco Pérez, los mismos que poseen visiones y filosofías similares.
Hacer lo que les gusta y mostrárselo a la gente es la principal idea para desarrollar una marca independiente con propuestas nuevas, experimentando con expresiones graficas y complementándolas con corrientes urbanas de todas partes.

Los diseñadores hablan sobre sus productos
Al inicio cuando Estampida sólo era una idea queríamos incursionar en el mercado de las camisetas y experimentando para ver como resultaban las cosas y al mismo tiempo ver como la gente iba a reaccionar con nuestra propuesta. Luego nos decidimos y dedicamos nuestros esfuerzos a una cartera mas amplia de productos que van desde correas, cojines, camisetas, monederos y de esta manera darnos a conocer de manera mas amplia y así consolidarnos como una marca que se dedique no solo al diseño de camisetas sino mas bien al diseño de accesorios.

El resultado de nuestra primera colección fue muy bueno, tuvimos una buena acogida en Quito y esto nos permitió participar en ‘Quito Siente Urbano’, que era un evento destinado a conocer nuevos diseñadores que se dedican a la producción de ropa y accesorios, experiencia muy enriquecedora para nosotros ya que a más de conocer las muchas propuestas que se vienen haciendo desde hace algunos años en nuestro entorno, también nos sirvió como plataforma para que la gente nos vea y tome en cuenta la idea que en Ecuador se pueden hacer cosas diferentes, de un alto nivel productivo y demostrar que se pueden manejar volúmenes bajos de productos sin que estos sean producidos de manera artesanal.

Después de esto decidimos sacar la segunda colección incorporando más soportes así tuvimos morrales, carteras, bolsos y a la vez eliminando artículos que no tuvieron una alta rotación o que eran muy complejos en su etapa de producción, lastimosamente porque la industria nacional tiene un nivel alto de desarrollo y muchas veces no hay los insumos necesarios para la confección. Ésta colección nos sirvió para ampliarnos como marca y la acogida esta vez también fue muy buena, tanto que, fue incluso mejor de lo que nos imaginamos. En diciembre del año pasado sacamos la tercera colección con nuevas propuestas ya que desde el inicio de Estampida nuestra idea siempre fue el de renovar constantemente nuestras propuestas de diseños.

La actualidad
En este punto otras empresas no relacionadas directamente con el diseño se vieron interesadas por los productos que estábamos desarrollando y transformando nuestro producto como una oportunidad de promoción innovadora, ampliamos nuestra idea inicial y decidimos ofrecer el servicio de diseño y producción de accesorios a empresas.

La marca esta dirigida a gente entre los 25-30 años que estén interesados en nuevas expresiones culturales

EVENTOS
12-2007- Quito Siente urbano
13-2008- Moda Urbana (El aguijón)
20-2008- Moda Urbana (el Ananké)

Si necesitan más información de los objetos lo pueden hacer desde el siguiente e-mail.

estampidadiseno@gmail.com

SorryZorrito -diseño desde Costa Rica-

2009-03-31T12:56:00.004-05:00

Una tarde mientras navegaba en la web, encontré información muy interesante desde un portal de Costa Rica, SorryZorrito es el nombre del mismo. Como es obvio, pasé un montón de tiempo revisando sus artículos y las iniciativas que sus editores plantean. No pasó mucho tiempo y ya estaba estableciendo el contacto por correo electrónico con uno de sus editores: Manuel Al-Ghassani

Me voy a permitir tomar partes de las conversaciones que hemos tenido y partes de su FAQ para hacer una introducción al sitio:

¿SorryZorrito?
Es una página independiente de diseño que se hace desde Costa Rica. Es un espacio para compartir información sobre cosas relacionadas al diseño (sea industrial, gráfico, arquitectura, modas, interactivo, web, etc.) y campos afines (como la animación, fotografía, ilustración, producción audiovisual y otros). También es un sitio donde se pueden dar a conocer propuestas de diseño de Costa Rica.

Inicios del portal
Empezamos con la idea hace casi un año entre 3 compañeros porque hacía falta una página sobre diseño de Costa Rica. También hacía falta un lugar donde se pudiera colaborar y reunir información, porque, bueno, como ya sabes, en Internet está todo pero hay que saber encontrarlo. Nosotros somos estudiantes de Diseño Industrial en el Instituto Tecnológico de Costa Rica Ahí también sentimos que había mucha información de la que todos podríamos aprender pero tiene que pasar por un filtro que son los profesores, sentimos que había que abrir un espacio para que la gente pudiera compartir, buscar conocimiento de diseño y discutirlo.

Estuvimos hablando un poco del asunto entre varios compañeros pero después de varias semanas no había pasado nada, entonces monté el blog y le puse Sorry Zorrito (en ese momento ni el nombre ni el diseño eran definitivos). A partir de ahí hubo un par de actividades que nos permitieron darnos a conocer. Simplemente escribimos de cosas que nos gustan, tratamos de compartir información que nos parece buena para todos, difundir un poco el trabajo de otra gente y ahí se ha ido haciendo el nombre y el público nuestro. Ya llevamos 6 1/2 meses y vamos fuerte para adelante.

Diseño Latinoamericano
Pues a largo plazo queremos influir en la escena de diseño al menos en nuestro país. Esa también ha sido nuestra intención desde el principio. No puedo hablar mucho sobre otros países de América Latina (aunque nos gustaría mucho establecer relaciones) pero te comento sobre Costa Rica:

Aquí hay muchas oportunidades para el diseño porque no se ha desarrollado mucho en ese sentido. Hasta hace pocos años solo existía una universidad que tenía la carrera de Diseño Industrial (la nuestra) y la industria no tiene la capacidad de abrirse tanto como en otros países, por eso les toca a los diseñadores hacerse campo solos. El diseño gráfico y la arquitectura siempre han tenido un buen lugar pero son pocas las iniciativas independientes o que buscan romper esquemas, simplemente es un buen negocio hasta donde se puede.

Desde hace unos cuantos años para acá hemos visto como bastante gente se ha lanzado con sus proyectos, están la gente de PEZ, Sacarina POP, Revista Colectiva y muchos otros que han tenido éxito y también están consolidándose como parte de una "ola de diseño". La producción audiovisual va por el mismo camino y sentimos que el pronóstico es bueno pero hace falta mucho todavía. Falta sobre todo unión, organización e ideas. Nosotros esperamos aportar algo en este sentido. Nos interesa que la gente vea viable el embarcarse en un proyecto y por el otro lado, que el público en general sienta que todos estos productos (y como producto no solo me refiero a diseño industrial, sino todo producto de diseño) son legítimos, de calidad y aportan algo.

Desde acá les mandamos un saludo al equipo:
Manuel Al-Ghassani, José Pablo Díaz, Silvia Marchena, Margarita Piza, Diego Solís, Gisella Castro, Gretchen Hütt, Lucía Vega, Diegox, Joselyn Walsh, Jean Paul Garnier, Rodolfo Rodríguez, David De Faria, Magaly Centeno, Karl Hutt y Alexánder Chan.
A todos ellos mucha suerte para su proyecto. No me queda más que recomendar que visiten SorryZorrito. En especial éste artículo con el cual estoy encantado:

Diseño Social: ‘El diseño social se puede definir desde distintos puntos de vista. A veces se trata de una noción humanitaria que guía la práctica profesional, en otros casos se hace referencia a que el diseño es una herramienta de cambio (para bien o para mal).’

Convocatoria: Bienal del Cartel en Bolivia.

2009-03-19T19:30:00.002-05:00

Para las personas que les gustan los concursos, las publicaciones, las nominaciones y actividades relacionadas a las bienales, les comentamos que está abierta la Tercera Bienal Internacional del Cartel Bolivia BICeBé 2009.
En el sitio web: grupocatalografica.com está la información y la ficha en dónde se explican claramente las modalidades de participación.

Información complementaria
“También, la BICeBé 2009 será desarrollada In Memoriam al reconocido y talentoso diseñador gráfico y cartelista japonés Shigeo Fukuda, fallecido en enero de este año. Las actividades, que se llevarán a cabo desde el 18 de noviembre hasta el 3 de diciembre, incluyen conferencias y talleres dando en esta ocasión el giro académico que consideramos que será extremadamente enriquecedor. El evento también contará con exposición y premiación de los mejores carteles seleccionados de todo el mundo.

El concurso de la Tercera Bienal Internacional del Cartel Bolivia • BICeBé 2009 contará con 4 categorías de participación: Carteles de temas y actividades culturales, Carteles de temas políticos y sociales, Carteles publicitarios de eventos comerciales, productos o servicios, Cartel inédito con el tema La Migración. Podrán participar estudiantes de diseño, diseñadores gráficos, artistas plásticos, fotógrafos y productores gráficos en general, sin importar su edad ni nacionalidad.

El Cartel inédito tendrá el premio mayor consistente en 3.000 dólares, medalla y diploma”.

Info tomada de: Bolivia en tus manos

No queda mas que decir, espero que se apunten. Yo estoy rayando cosas. Esperemos que llegue a finalizarlas.

Un saludo.

Salón de Diseño PUCE 2009

2009-02-26T20:50:00.005-05:00

La Pontificia Universidad Católica del Ecuador, presenta el IV Salón de Diseño 2009, evento que pretende mostrar ante la comunidad del diseño nacional e internacional las actividades y proyectos que la Carrera de Diseño ha desarrollado a lo largo del año.

"La intención al realizar el Salón de Diseño pretende entre otras acciones coadyuvar en la búsqueda de Pertinencia y presencia nacional en el ámbito interno, y el Reconocimiento y articulación a la dinámica social empresarial nacional en el ámbito externo." (1)

El Salón de este año se ha denominado "Diseñópolis, el Diseño para la ciudad" y abordará todas las relaciones entre el Diseño y su influencia sobre las ciudades. Después de las tres experiencias pasadas, el evento ha ganado experiencia, y presenta además de las conferencias, actividades complemetarias como talleres y muestras nacionales e internacionales, sin olvidar el evento principal, la muestra y concurso de estudiantes, egresados y graduados de la Carrera de Diseño de la PUCE. Si desea más información sobre evento, visite el sitio web del Salón de Diseño.

(1) Plan de Acción Académica Carrera de Diseño PUCE

Enlaces:
Pontificia Universidad Católica del Ecuador
IV Salón de Diseño PUCE

Concurso: Talentosdesign´09

2009-02-09T22:41:00.002-05:00

Hay que ser sinceros y a veces uno se pone a navegar o “bucear” en el Internet y pierde hora de horas. A mas de encontrar muchas fotos de amigos en las redes sociales y afiches que a uno nunca se le van a ocurrir. Se encuentra con cosas novedosas como ésta:

talentosdesign´09

A breves rasgos es un concurso de diseño con categorías en: Espacios e interiorismo, industrial o productos, gráfico, moda y textil digital. Lo interesante de este concurso es su tendencia hacia lo sustentable:
“La sostenibilidad tiene como fin la satisfacción de las necesidades presentes sin comprometer las de las generaciones futuras”
Así que hay cosas muy interesantes por esa premisa.

Y como detalle, -en un caso se animen- los premios consisten en:

>> EXPOSICIÓN DE LAS OBRAS. Los 50 proyectos más votados por los usuarios de la web serán expuestos durante un mes en el Matadero de Madrid en otoño de 2009. De ellos, el jurado elegirá al ganador y a los 5 finalistas.

>>GANADOR. El ganador recibirá un premio en metálico de 5.000 euros brutos y la exposición de su obra.

>>5 ACCÉSIT. Los autores de las 5 obras elegidas como accésit recibirán un premio de 2.500 euros brutos cada uno.

MUNTADAS:En conversación con Quito

2009-01-19T10:52:00.002-05:00

Cuando uno comienza a vivir la tarea de ser diseñador, se da cuenta que puede encontrar las ideas generatrices, el soplo divino o la musa inspiradora –como cada uno lo nombre- en los detalles mas pequeños e insignificantes. Y al mismo tiempo en las cosas más complejas de pensamiento y de estructura.

Mis amigos no saben cuánto han ayudado a mi desempeño profesional con conversaciones sobre fútbol, el tráfico de la mañana o el comercial de la tele que los impactó. Sobra decir que algún momento se los recompensaré como se debe.

De igual forma conversar con un artista siempre abre un panorama interesante a la creatividad, ángulos y formas de forzar y mirar la realidad que simplemente están ahí pero necesitamos algo de ayuda para encontrarlo. Encontrar más maneras y lenguajes para podernos expresar son las cosas que siempre nos llaman la atención de este tipo de cosas.

Entonces para no darnos más vueltas les dejo esta información que nos llegó hoy en la mañana.

Saludos. Y buen inicio de semana.

Este es el título que le hubiera puesto al evento
si se me hubiera ocurrido antes:

MUNTADAS:
EN CONVERSACION CON QUITO

MUNTADAS:
A CONVERSATION WITH QUITO

porque así es este inquisitivo e incansable artista catalán radicado en NY: pasa gran parte de su tiempo conversando con ciudades del mundo entero; ausculta sus espacios públicos; les extrae sus miedos
y silencios.
Se interesa por su genealogía y sus transformaciones.
Por sobre todo, se detiene a mirar lo que ocurre en
los espacios que median entre los ciudadanos y la
urben que habitan o transitan. En ese resquicio encuentra
la esencia de la memoria colectiva, o la de su olvido
u omisión.

Si fuera arquitecto (y de hecho, su preparación académica fue en ingeniería industrial y construcción), creo que habría erigido edificios en varios lugares del mundo. No hubiera transplantado una creación genérica, porque es en la hermenéutica donde
se siente más a gusto como creador. Por eso su serie: ON TRANSLATION.

Y ahora este artista nómada viene a Quito.

Les invitamos a escucharlo.

No se lo pierdan.

Más info por al blog:
http://antoni-muntadas-uio.blogspot.com/

Juan Carlos Patiño: el placer de la desesperación

2009-01-05T21:57:00.005-05:00

Es muy grato encontrar publicaciones en diarios, que hablen de diseño y del “quehacer” del mismo.
Mucho más grato es encontrar reportajes en los que los personajes mostrados son amigos o conocidos. Esta vez me encontré con una reseña del buen trabajo de “profesor” —como lo conocíamos en la Facultad, Juan Carlos Patiño es su verdadero nombre—.
Solamente queda decir que le deseamos mucha suerte en su actividad. Y a continuación la reseña mencionada.

Redacción Artes/Cultura • La muerte, ¿es ese cadáver con túnica negra que sostiene una guadaña para metérnoslo en el cuerpo? ¿Es el momento en el que nos enfrentaremos a un juicio que nos absolverá o no de nuestros pecados?¿Es el pequeño tránsito hacia otra vida? ¿Qué es la muerte? Simplemente no hay respuesta, porque nadie ha podido regresar para contarlo.

Sin embargo existen muchos artistas que fascinados por el tema han encontrado un fuerte motivo de inspiración que posee diversos canales estéticos. Uno de ellos es el arte gótico (siglo XVI), primordialmente arquitectónico, que se originó en el norte de Francia y que nació en contestación a la tradición del arte románico clásico. Fue una época de mutación donde las burgesías y la urbanidad existían a la par de pestes, herejías y rebeldía popular.
Este movimiento, que en un principio fue muy religioso, luego de siglos adquiriría nuevos significados con vinculaciones más bien contrarias a la religiosidad. Por ejemplo, en la música, luego del breve paso del ‘Punk’, se originaría el‘Rock Gótico’, cuya mutación consistía en tornar las proclamas de lucha y trasgresión, en una actitud pesimista dominada por la angustia y la depresión. El desencanto causado por la impotencia de cambio, se tradujo en una estética de ropajes oscuros, a modo de luto, maquillaje negro cargado y una introspección incomprendida.
Toda esta cadena de sentimientos fueron apropiados por Juan Carlos Patiño, quien ha visto en la joyería y en la pintura su válvula de escape a su constante depresión y angustia. Manifiesta que estos dolores, que son insoportables, son a la vez deseados, queridos, y se han convertido en la esencia de su trabajo. El estupor que le puede producir su cuerpo flagelado, su energía baja y su mente en blanco se han convertido en placer, la delicia que ocasiona lo incontrolable.
Es la manera que Patiño tiene para negar la sociedad del ‘sweet pop corn’ y proponer un réquiem, un himno al no existir y entender a la muerte como último fin de las cosas. Su técnica en la plástica es el aerógrafo, el grafito y la tinta china, que se mezclan con los colores de sus sueños, de sus más incisivos temores: el rojo, el negro y el blanco.

La sangre que excreta el cuerpo tiene la forma de una lágrima, y el cuchillo que se introduce en el cuerpo las mil formas del placer. Escozor, escalofríos, inmensa trasgresión que se plasma en la plata y en el lienzo. Sus dibujos buscan la corporalidad femenina, porque, para Patiño, es el ente perfecto ideal para el arte gótico: la mezcla de la pureza de su carne con su mutilación.

El arte, como la única herramienta que tiene el Hombre para demostrar su insatisfacción, ha sido el camino de Juan Carlos Patiño o ‘Nauj’ para construir pequeñas esculturas o lienzos irreverentes. Es su destino, la construcción de algo para evitar su destrucción. Es componer con plata y lápiz la estructura estética de su desencanto. Un universo que apenas acaba de iniciar.

Tomado de la Revista Artes. (Circula con Diario La Hora)
Edición del 4 de Enero.

Estudiar o no diseño

2008-09-16T16:47:00.004-05:00

Ayer me tomé un tiempo para revisar el blogroll de este blog y entre mis favoritos esta el blog de Vecindad Gráfica. Con la labor de ponerme al día con sus posts, pasa hoja tras hoja hasta que me detuve una página que tenía este video:

Las razones que esgrime el video son directamente un golpe en la cara a nosotros los que alguna vez nos quejamos de las remuneraciones bajas que percibe un diseñador en nuestros países, pero al mismo tiempo deja una camino claramente pintado a esforzarnos más por ser reconocidos dentro de toda la sociedad y no simplemente como un bien de consumo de las clases altas.

No puedo dejar de pensar en el siguiente cuadro: Un padre desesperado porque su hijo le dijo que quería ser diseñador, tecleó en el buscador: "¿estudiar diseño o no?" y el resultado le condujo a éste blog, revisa el video y se llena de miedo por lo que puede pasar con su hijo. Con un poco de curiosidad lee lo que está mas abajo del video, buscando tal vez más respuestas. Y claro las halla en la zona de comentarios.

El primer comentario es el mío y la respuesta a la pregunta es simple: Es como estudiar leyes o no, un doctorado en medicina o no, un pregado en Danza contemporánea o no.

Hay que tener pasión por lo que se hace. La pasión genera ideas, genera fuerza, crea lazos con la profesión, crea amor a los resultados que salen de nuestras cabezas y que se plasman sobre soportes innumerables.

¿Es rentable el diseño? Pues sí, claro nos toca trabajar más para conseguir más, pero si se hace con pasión el problema se acorta.

Aquí pueden hallar el Post original

Una breve visita a Nobrand

2008-09-08T16:25:00.008-05:00

Ha pasado mucho tiempo desde la publicación del último post y éste, el tiempo que fue usado como descanso era necesario, y la verdad ya estábamos extrañando escribir por estos rumbos. Para dar inicio a la nueva temporada es el siguiente post:

Desde hace un par de años había querido ir al Encuentro Latinoamericano de Diseño en Palermo, Argentina.
Por fin, éste fue el año que lo logramos, se armó el viaje y en un abrir y cerrar de ojos estuvimos metidos en el avión que nos llevaría a Buenos Aires sede del Encuentro y de paso a vacacionar, aprovechando el viaje.
Del Encuentro se hablará en otros post ya que queda mucho por decir, en esta ocasión quiero hacer una revisión de marca: Nobrand.

El primer acercamiento con la marca fue por una publicación que me encontré en el Encuentro, revisé mi listado de conferencias y lastimosamente había pasado ya su intervención. Luego encontré una revista que especificaba varios puntos sobresalientes del diseño argentino, en la portada estaba el Carlos Gardel de Nobrand que vi antes, y en un impulso, sin darme cuenta ya tenía la revista en la mochila.

A la noche, descanzando en casa abrí la revista y gratamente descubrí que los chicos de Nobrand, tenían un almacén en la zona de Palermo relativamente cerca de dónde nos hospedábamos.

Llegamos a la tienda y sobra decir que las cosas que vimos nos impresionaron tanto que puedo decir que con muchas de ellas fue amor a primera vista. Los íconos de la cultura argentima que pudimos ver de cerca y que ahora estaban retratados en indumentaria y accesorios simplemente nos encantaron, pasaron por nuestros ojos, el che, Gardel, Evita, Diego, empanadas, bandoneones, el mate, un bife de costilla.

Un par de camisetas en la bolsa unos cuántos pesos menos y empezamos a revisar otras aplicaciones de la marca, al salir, teníamos variada mercancía entre las manos, de la cual destaco mi mate.

El Mate: ‘Se denomina mate (en portugués chimarrão, "cimarrón"; en guaraní Ka'ayguá —ka'a= hierba, guá= grande—[1] ) a la infusión preparada con hojas de yerba mate (Ilex paraguayensis), una planta originaria de Sudamérica, previamente secadas, cortadas y molidas. La denominación se genera por extensión del vocablo quechua mati, que significa vaso o recipiente para beber, y que se generalizó como nombre vulgar de la calabaza (el porongo, Lagenaria siceraria) que se utiliza para dicha infusión. También se lo ha llamado "té del Paraguay" u oro verde.[2] Como sucede con el té, el café o el chocolate, el mate posee un efecto estimulante debido a la cafeína (sinónimo "mateína") que contiene.’ (información tomada de la Wikipedia)
Con lo dicho hay que decir que me encanta la tradición objetual que posee “el tomar mate”, no es tomar una infusión de hierbas en una taza. El mate como bebida trae varios objetos detrás: la bombilla, el mate en sí y por supuesto el termo para el agua. Luego del objeto está el rito de la preparación, la acción de pasar el mate de mano a mano para compartir hace que esta bebida alucine.

Desempacando el Mate de Nobrand
El empaque exterior: Para un viajero descuidado como yo el empaque es el necesario para que el mate llegue en perfecto estado a su destino. El cilindro principal se asemeja al empaque de “pringels” rematado de igual manera a los dos lados por cierres metálicos, el primero es libre, sirve de tapa que luego de ser removida nos deja ver un “estabilizador” de cartón bastante bien pensado en la gráfica y en la utilidad porque sirve para que la bombilla no se golpee en las paredes del cilindro.

Al vaciar el empaque de todo su contenido el cilindro sirve para guardar la yerba mate y con un aditamento que viene en la tapa podemos servir la yerba de una manera menos engorrosa.

La bombilla: definitivamente la bombilla que trae el mate no es común, la cual posee una esfera en la parte superior y en la parte de abajo una zona de absorción bastante grande.

El mate: hecho de cerámica posee una forma casi esférica pareciéndose más al mate clásico de calabaza que muchos otros diseños contemporáneos.

Se pueden encontrar en color blanco, negro y transparentes (a más de unos cuántos tonos translúcidos).El conjunto es realmente estético y con un leve ejercicio de abstracción llegamos a la forma de uno de los iconos de la marca.
Ahora solo falta tener una reunión con los amigos para poder estrenar el mate con un poco de yerba que trajimos. Por el momento y hasta que aquello pase, me tendré que conformar con exhibir vestido uno que otro ícono de la cultura argentina por las calles de Ecuador.

Espero que esta revisión abra el camino a otros productos diseñados en Ecuador, no me queda más que decir que si alguien sabe o tiene un producto a mostrar, no pierda tiempo y se comunique con nosotros ya sea en la cajita de comentarios o por mail.

Acerca del Escudo.

2008-05-20T21:27:00.003-05:00

Hace pocos días a todos los ecuatorianos nos sorprendió la noticia de una idea para cambiar el escudo del país nacida desde la asambleísta Tania Hermida. En el momento de conocer la idea no pude hacer nada más que indignarme, luego comenzó lo cómico del asunto, varios escudos “nuevos” circularon por el Internet y sin negarlo yo tenía muchas ganas de hacer el mío y pasarlo por correo y por mi blog personal.

Entonces por esas ganas de reírme también, empece a darle vueltas al asunto y sin querer llegué a pensar en el Nuevo Escudo del Ecuador como un proyecto de diseño. Como conclusión: La idea no es tan descabellada siempre y cuando se maneje como un proyecto de rediseño.
Conceptualmente la idea de la refundación del Ecuador al cambiar su constituyente se puede usar como base para cambiar los imaginarios. Y es que la propuesta según entiendo era cambiar el Himno y el Escudo.
Haciendo un corto análisis borrar símbolos del escudo antiguo y reemplazarlos por otros resulta insano, no es lógico lanzar a la basura el tiempo y “la tradición” de nuestro escudo.
El camino entonces sería simplificar el escudo o “limpiarlo” de manera que sea de más fácil reproducción y que se familiarice gráficamente con la bandera.
La unión del escudo y la bandera debe ser un factor determinante ya que es el rasgo que nos diferencia de los otros países que utilizan la tricolor como la tenemos en Ecuador.

Queda en el aire muchos análisis más y pros y contras, pensar en el país como una empresa a la que hay que hacerle la imagen es difícil ( y para eso está la marca país). Es más complejo diseñar un emblema patrio. Necesidades, requerimientos e imaginarios de un país tan complejo como el nuestro no deben ser tomados arbitrariamente.

Para ampliar la información hay muchos blogs que se hicieron voz del mismo acá la lista de enlaces:

Los escudos que sirven para ilustrar este post están dando vueltas por el internet. Es por ello que no tienen su respectivo crédito.

Cierre de convocatoria Feria de Bogotá

2008-04-14T08:54:00.003-05:00

La Red Latinoamericana de Diseño nos invita a participar en la Feria de Diseño.

Este año, la Red abre un Stand gratuito para diseñadores de toda Latinoamérica, a excepción de Colombia, que tiene un precio especial.

La iniciativa se dirige a diseñadores empresarios que producen sus propios. Más información en la página de la Red

Prototipo es el encargado en el Ecuador de canalizar las inscripciones. Para más información, a nuestro email de contacto, prototipod@gmail.com

Enlaces:

Convocatoria a la Feria en la Página de la Red Latinoamericana de Diseño
Red Latinoamericana de Diseño

Iniciativa que no hay que dejar pasar por alto.

2008-03-09T21:51:00.001-05:00

En la ciudad de Cuenca desde el Viernes se está llevando a cabo la Feria de diseño independiente Indigo.
Dicho de los autores gestores de la feria: “INDIGO_Feria de Diseño Independiente, es una iniciativa para promocionar el diseño a un nivel más cercano al público, en donde el contacto entre diseñadores y público sea directo y saltarse el omnipresente intermediario. Es la oportunidad para ver a la cara a los autores de objetos o productos que tal vez nos han causado curiosidad, aprehensión, emoción, gusto, anhelo o cualquier otra emoción. Es la oportunidad para los diseñadores/diseñadoras de conocer de primera mano la opinión de sus consumidores o espectadores, para saber que está bien y qué podría estar mejor. También es la oportunidad para encontrarse, intercambiar información, plantear colaboraciones, conocer Cuenca, reconocer Cuenca y quien sabe, hasta firmar autógrafos.”

Personalmente estoy programando el viaje para la ciudad de Cuenca, esperemos que las obligaciones no lo impidan. Desde ya suerte en la iniciativa. Para mayor información la pueden ver en este link: Indigo 01.

Actualización de índice marzo

2008-03-05T18:32:00.002-05:00

El índice de artículos publicados ha sido actualizado.

El objetivo del índice es facilitar la búsqueda de artículos, permitiéndoles un fácil acceso a lo escrito.

Puedes consultar los artículos publicados desde octubre de 2005, ya sea alfabéticamente, por autores o por temas. Este índice se actualiza cada 3 meses.

Para revisar el índice, haga click aquí, o sobre el botón que se encuentra permanentemente en nuestra sección herramientas.

Fiscalización en el Teatro Sucre

2008-03-03T19:04:00.004-05:00

El Teatro Sucre, una de las primeras instituciones culturales del Ecuador está envuelto en sospechas por corrupción a varios niveles.

Los editores de Prototipo, diseñadores y amantes del teatro musical y de texto, nos unimos a las voces que claman por transparencia en una institución tan prestigiosa y querida, que nos abrió las puertas para aportar con nuestras ideas de diseño escenográfico.

Pedimos una investigación profunda y exhaustiva . Los detalles es este documento.

Enlaces:

Teatro Sucre
Documento Adjunto

Ministerio del Logotipo.

2008-02-13T23:27:00.005-05:00

Entre una página y otra del internet, me encontré con el blog de Masaki Santo un laboratorio de diseño en la ciudad de Cuenca, luego descubrí que una de las cabezas que estan dentro de ese barco de ideas fue mi profesor. Con cierto abuso de confianza, voy a permitirme reproducir un texto de su propiedad a continuación.
Desde acá suerte al estudio y saludos a Juan Carlos.

Un logotipo según wikipedia, "es un elemento gráfico, verbo-visual o auditivo y sirve a una persona, empresa, institución o producto para representarse. Los logotipos suelen encerrar indicios y símbolos acerca de quienes representan...La funcionalidad de un logotipo radica en su capacidad para comunicar el mensaje que se requiere como por ejemplo "Somos una empresa responsable" o "este producto es de alta calidad", y para el logro de esto se requiere del uso de colores y formas que contribuyan a que el espectador final le de esta interpretación...", además de su adecuado manejo y posicionamiento.

Un logotipo requiere del apropiado uso de la semiótica, como herramienta que ayuda a la adecuada comunicación e interpretación del mensaje por parte del espectador, por lo tanto al momento de representar una entidad o grupo de personas, lo más apropiado es que mantenga congruencia entre lo que se entiende y lo que realmente busca representar.

Partiendo de este precepto, decidimos hacer un recorrido por los logotipos que representan los ministerios del gobierno ecuatoriano (algunos nuevos y otro creados desde el regreso a la democracia) y no podemos menos que dejar de hacer una reflexión como diseñadores (y como ciudadanos) sobre su uso y su efectividad.Al parecer es un fenómeno de la política ecuatoriano, el creer que la gestión de un gobernante saliente (y por ende la imagen que la representa) es mala y que para enmendar la misma, se tiene que hacer una renovación que puede ir desde el personal que trabajó en la administración saliente hasta el logotipo que la representó.

Esto ultimo no solo representa una inversión en diseño (que seguramente variará dependiendo del profesional contratado) sino que implica un valor que va desde la implementar físicamente esta nueva imagen (papelería, letreros, uniformes, etc.) hasta el valor tangible e intangible de posicionar en el mercado la misma.

Este fenómeno, ejemplificado arriba, evidencia además la falta de profesionalismo a la hora de decidir que y como comunicar los valores que los ministerios quieren representar. Seguramente los mismos estarán condenados inevitablemente al panteón de los logotipos.

Salon de Diseño PUCE 2008

2008-01-16T18:45:00.000-05:00

Conferencias para el Jueves 17 (Auditorios de La Facultad de Arquitectura y Diseño -PUCE)
09:00-10:00 Luz Helena Ballestas "La influencia del Diseño Precolombino en marcas Colombianas".
10:00-11:00 Nelson Reascos "Identidad una visión desde la Sociología"
11:00-12:00 Damián Almeida "Identidad y diseño"

Viernes 18
09:00-10:00 Camilo Luzuriaga "Yo diseñador"
10:00-11:00 Santiago Rivadeneira "Visión desde la Sociología"
11:00-12:00 Ángel Jácome "Pensamiento de Diseño"
14:30-15h30 Roberto Cuervo
19:00 Clausura del evento en el Edificio de CIESPAL (Diego de Almagro y Andrade Marín).

Convocatoria para Graduados-Egresados de la Puce

2008-01-11T14:13:00.000-05:00

Desde el Martes 15 al Viernes 18 de enero se realizará el Tercer Salón de Diseño de la Universidad Católica del Ecuador.
En el marco de éste evento se abrió una nueva categoría de competencia: Graduados-Egresados. Esta categoría permite concursar con trabajos hechos fuera de las aulas, “en el campo de batalla” si la frase cabe.

En éste link se pueden encontrar las bases y las categorías para participar.
En el transcurso de la semana actualizaremos la información sobre el salón y las ponencias que se presentarán en este evento.

Agendilla de fin de semana...

2007-12-13T13:33:00.000-05:00

Gracias a la tecnología y al internet con las redes sociales, me han llegado unas invitaciones para eventos a realizarse estos días.
El primero es una exposición llamada EXPUESTO, se llevará a cabo desde el jueves 13 de diciembre hasta el 6 de enero del 2008, en la Casa de las Artes de la calle La Ronda en el Centro Histórico de Quito.

El otro es un evento de Kinti diseño, como dicen sus creadoras es un Showroom de Tendencias Creativas. Se llevará a cabo en Las Calles Tamayo y Foch el viernes 14, sábado 15 y domingo 16
Según las organizadoras:

"QUITO SIENTE URBANO /07 es el primer encuentro multidisciplinario de tendencias que se realiza en la ciudad. Buscamos reunir a los nuevos talentos a través de la comunicación, diseño de modas, arte, accesorios, diseño de objetos, fotografía, música y entretenimiento."

De esta manera tenemos ya un par de opciones para este fin de semana, ojala con el tiempo este tipo de "encuentros" de diseño se multipliquen y tengamos nuestra agenda copada de los mismos.

Buen fin de semana.

Identidad Vs. Dependencia

2007-11-29T16:33:00.000-05:00

Me parece importante que se plantee una discusión sobre el papel del Diseño en la sociedad, este debe ser visto como un elemento fundamental del desarrollo de la cultura, portador de significados y significantes simbólicos de un pensamiento ideológico y del conocimiento en general, dentro de este la ciencia y la tecnología.

El diseño es fundamentalmente instrumento de comunicación, en virtud del papel o rol social anteriormente expuesto, fuera de este espectro el diseño se transforma en seudodiseño como pretexto o valor agregado de otro campo disciplinario, como sucede con las ingenierías y otras disciplinas tecnológicas.

Porta Frutas- Santiago Gavilanes- PUCE/Ecuador

El diseño es irreductible a sí mismo, tiene valor en sí mismo, jamás puede constituirse como valor agregado de otra práctica social, por cuanto el diseño es el resumen, síntesis y resultado de todas las variables posibles que intervienen el los procesos de configuración, constituyendose en la forma visible de la comunicación social.

Contenedor de perfume- PUCE/Ecuador

Cuando el diseño entra en las categorías económicas, se constituye en mercancía y como tal, estará sujeto y dependiente exclusivo de los instrumentos de poder, subyugado a la definición funcionalista y racionalista, dentro de los parámetros de la propuesta neoliberal y
de la acumulación del capital.

Lámpara pública- Santiago Gavilanes- PUCE/Ecuador

Personalmente me resisto a la estandarización de parámetros estéticos, bajo el aberrante concepto de la semiótica funcional, me mantengo en la convicción de la autodeterminación y en la capacidad de generar nuestro propio pensamiento y posición estético formal, que redunde en la aplicación del conocimiento bajo nuestras propias definiciones.

Texto y fotografías por:

Ángel Lautaro Jácome

SEGUNDO ENCUENTRO LATINOAMERICANO DE DISEÑO PALERMO 2007

2007-10-26T13:22:00.000-05:00

Septiembre 12 de 2007

La facultad de diseño y comunicación de la Universidad de Palermo con sede en Buenos Aires - Argentina organizó el Encuentro de Diseño del 31 de julio al 3 de agosto del presente año.

Este segundo encuentro comprendió la presentación de conferencias con temas profesionales y académicos, talleres de capacitación, conferencias de los invitados de honor, seminarios profesionales, muestras de trabajos de profesionales y de instituciones. Y paralelamente el segundo plenario del foro de escuelas de diseño.

De la magnitud del evento se puede mencionar que contó con la asistencia de más de 5000 personas de todos los países de centro y Suramérica principalmente y con la presencia en de otros países invitados de Europa y Estados Unidos.

Los conferencistas de honor fueron los profesionales del diseño y la comunicación latinoamericana: Felipe Taborda, diseñador gráfico brasileño. Ronald Shakespear, reconocido diseñador gráfico argentino. Norberto Chaves autor de varios libros y asesor académico de la maestría en diseño de la universidad de Palermo. Ruth Klotzel, arquitecta brasileña dedicada a la comunicación visual y el diseño gráfico.

Eventos:

1. Sesión del segundo plenario del foro de escuelas de diseño en sus distintas temáticas
2. Realización del concurso de afiches: creatividad latina.
3. Seminarios para los cuales se debía tener inscripción previa al evento
4. Conferencias para todo el público, presentadas por los invitados de honor
5. Eventos sociales (desayuno, cóctel, vino de honor)

Las Conferencias

Un breve resumen de las conferencias a las cuales se pudo asistir dentro de las más de 300 generadas en el evento:

1. LOS OBJETOS ANTES DE LOS PRODUCTOS
Conferencista: Paolo Bergomi (Asociación Latinoamericana de Diseño Industrial -Argentina)

Presentó un museo itinerante del diseño industrial productos realizados en Argentina desde los años cincuenta. Este museo hace un recuento histórico de la producción mediante un inventario de objetos; presenta desde el diseño y la producción de cafeteras, motos hasta aviones fabricados por la industria argentina.

2. IMPLEMENTACIÓN DE LA TEORÍA DE LOS CUASICRISTALES EN LA PEDAGOGÍA DEL DISEÑO
Conferencista: Alejandro Rubiano Mejía (universidad autónoma - Colombia)

Partiendo del estudio cristalográfico y Biónico pasando por la geometría fractal (mosaicos de Penrose), teoría de los nudos y el arte islámico; se desarrolla una geometría de composición, centrada en la simetría de quinto orden (se conoce como cuasicristal a los objetos que presentan una hibridación de armonía y desarmonía, que se aplica de manera novedosa a la didáctica buscando sacar al estudiante del paradigma de la ortogonalidad generando material físico para la enseñanza en el diseño.

3. LA CREATIVIDAD, UN ESPACIO NECESARIO EN DISEÑO INDUSTRIAL
Conferencistas: Luis Alberto Lesmes, Jorge Emilio franco y Holby Muñoz (universidad Antonio Nariño)

La ponencia se centra en el estudio de algunas competencias clave dentro del conocimiento sobre la creatividad. Aborda aspectos de la conciencia, del subconsciente, de la solución de problemas y plantea algunos diagramas acerca de los procesos mentales ocurridos dentro del desarrollo de un diseño.

4. PSICODELIA PRODUCTUAL - LA ECUACIÓN PARA LA INNOVACIÓN
Conferencista: Edward Zambrano Lozano (universidad autónoma - Colombia)

La ponencia tiene como base el libro Introducción al Diseño Industrial y hace un análisis sobre aquella morfología que representa indicadores del uso reconocidos por un colectivo. Aborda la teoría de la psicodelia le relaciona con el producto debido a que éste es una realidad concreta lo mismo que pueden serlo los usos reconocidos. De allí quien manifieste el uso como un fenómeno objeto de estudio del cual se construye, se deconstruye y se vuelve a reconstruir en las acciones del sujeto y en sus procesos mentales. En síntesis plantea un método de valoración del uso en términos objetivos.

5. DISEÑO CON RESPONSABILIDAD SOCIAL. CENSO DE LAS COMUNIDADES INDÍGENAS DE PARAGUAY
Conferencistas: Jimena García y Julio Jara (Universidad Comunera – Paraguay)

Los autores presentaron un informe acerca del 2do. Censo nacional paraguayo de las 20 etnias indígenas, en donde como diseñadores gráficos realizaron la identidad visual y distinto material grafico para la elaboración del censo como dato interesante el desafío de diseño estuvo centrado en los formatos de llenado ya que las comunidades presentaban mas de 28 dialectos y la generación de material visual debió ser muy cuidadosa.

Conferencia en la Universidad de Buenos Aires:

CONCEPTOS FRACTALES EN EL DISEÑO MULTIDISCIPLINAR (UBA)
Conferencista: Dra. Vera de Spinadel

Dentro de las investigaciones que adelanta el laboratorio de matemática y diseño iniciado en 1995 se creó el postgrado de lógica y técnica de la forma, cuya pagina en Internet es http://www.maydi.org.ar/ Se expusieron los conceptos básicos de la teoría de los fractales (fractus: interrumpido o irregular) de Benoit Mandelbrot y se contrastó con el área natural o biónica (geometría fractal de la naturaleza de 1977)como aquellos elementos no percibidos por los sentidos. Posteriormente se contrasto con la geometría Euclideana destacando la capacidad del fractal para medir la irregularidad de una forma.

Exposición de la ponencia
D.I. MST. Fernando Alvarez

El documento que presente como conferencista se tituló “hacia un enfoque cognitivo del Diseño industrial: Una aproximación psicogenética al desarrollo cognitivo mediante la interacción con objetos.”

Este tema esta relacionado con la teoría psicogenética y se relaciona al diseño mediante el desarrollo de experimentos que estudian las acciones y operaciones mentales implicadas en la manipulación de los objetos y el consecuente desarrollo y aprendizaje perceptual - gestaltico y espacial - topológico, con lo que se demuestra la capacidad de los objetos y el desarrollo de estrategias cognitivas con lo cual se da un aprendizaje. Esta teoría tiene como base los estudios experiméntelas de Piaget y Vigotsky.

Escrito por:

Fernando Alvarez
Septiembre 12 de 2007

Resumido por:

Freddy Alvear B.

Links:

Información del evento
Resumen de la Ponencia del Autor

http://www.maydi.org.ar/

www.palermo.edu/

Blog del Autor

Actualización de índice Octubre 2007

2007-10-11T12:59:00.000-05:00

Como siempre, Prototipo actualiza su índice cada 3 meses.

El índice de artículos de Prototipo busca optimizar la búsqueda de artículos publicados a nuestros lectores, permitiéndoles un fácil acceso a lo escrito.

Puedes consultar los artículos publicados desde octubre de 2005, ya sea alfabéticamente, por autores o por temas.

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Prototipo: Segundo Aniversario

2007-10-05T21:22:00.000-05:00

Un sueño. Una pasión. Parece increíble que hayan pasado dos años desde que nos unimos los editores de Prototipo en torno a juego, que se alimentó hasta lograr lo que hoy tenemos: una bitácora web de diseño 100% ecuatoriana, con proyección internacional, muchos contactos con bitácoras amigas, articulistas de gran nivel, que nos han apoyado incondicionalmente con sus artículos, pero sobre todo, un numeroso de grupo de lectores de toda Ibero América que nos visitan en cada artículo, y que nos comprometen a continuar con esta iniciativa.

Prototipo en cifras:

Ultimo año (estadísticas gracias a Google Analytics):

Total de Visitas: 16744

Promedio de visitas al mes: 1395

Por procedencia:

Procedencia de visitas: 69 países

México: 20,47%
Colombia: 17.04%
Ecuador: 15.24%
España: 10.30%
Argentina: 6.93%
Chile: 6.55%
Venezuela: 5.94%
Perú: 5.55%
Estados Unidos: 5.43%
Guatemala: 0.99%

Un Compromiso:

Las cifras nos comprometen cada día, a ofrecer mejores artículos, a ser más selectivos y exigentes con nuestros contenidos, a buscar nuevos articulistas, para cumplir con las expectativas de nuestros lectores.

No nos queda más que agradecer a nuestros lectores a lo largo de América y España por la acogida, y esperamos su participación más activa, desde la caja de comentarios o directamente a través de sus artículos. Y agradecer a todos los amigos (Red Latinoamericana de Diseño, Instinto Guapo, Color Magenta, Isopixel, Foro Alfa, Gretelein, Más Café por favor, Pensamiento Tridimensional) que comparten nuestra pasión y más de una vez se han hecho presentes con sus comentarios y artículos.

Este nuevo año, esperamos cristalizar varios proyectos que se quedaron pendientes. Muchas veces el ejercicio diario del diseño, que mantiene a los editores, supera el gusto por escribir y reflexionar. Pero los objetivos siguen presentes, además de los pendientes nuevas ideas esperan ver la luz este año.

Una vez más, gracias a todos los que nos siguen y dan sentido a este proyecto, y que nos confirman que a lo largo de América y España, DISEÑO ES PASIÓN.

Macabro plan

2007-09-23T17:39:00.002-05:00

Estaba navegando por los sitios de diseño que frecuento, uno de ellos hacía referencia a un macabro plan que se estaría gestando para hacer la vida a cuadritos a cuanto diseñador se atreva a salir a busacar el sustento diario o simplemente cruce por la esquina.
Y es que el plan está tan bien estructurado que puede ser perfectamente un diseñador resentido o uno de nuestro clan que tiene la receta perfecta para lidiar con los clientes. Me permito hacer entonces hacer "copy and paste" para mostrar el manifiesto acerca del exterminio de los diseñadores:

“Como todos saben, los diseñadores gráficos son la razón por la que hay tantas guerras y caos en el mundo. Se meten en nuestras mentes con los mensajes subliminales que usan en sus diseños, nos obligan a gastar nuestro dinero en productos inútiles, nos llevan a la depresión y a cometer actos violentos y claro, la mayoría de los diseñadores son comunistas.

Así que para salvar al mundo de los malvados diseñadores gráficos he creado esta lista de cosas que podemos hacer para asegurarnos de acabar con ellos y obligarlos a dejar su profesión… por siempre!!!!

1- Microsoft Office. Cuando tengas que mandarle un archivo a un diseñador grafico asegúrate que este hecho en algún programa de Microsoft Office, versión para PC de preferencia. Si le tienes que mandar imágenes asegúrate que estas estén incrustadas en un archivo de Office como Word o PowerPoint, esto lo volverá loco. No se te olvide bajarle la resolución lo mas que puedas a la imagen de esa manera tendrá que llamarte para pedirte una en mas alta resolución y cuando lo haga, mándale una aun más pequeña. Si usas email para enviársela olvida adjuntar el archivo un par de veces.

2- Fuentes. (Tipos de letra) Si el diseñador escoge Helvética, tú pídele Arial. Si él escoge Arial pídele Comic Sans. Si él escoge Comic Sans quiere decir que ya está medio loco y tu misión será más fácil.

3- Más es mejor. Digamos que mandaste a diseñar un volante. Los diseñadores gráficos siempre tratan de dejar espacio en blanco por todas partes: usan márgenes grandes, mucho espacio entre letras y entre las líneas de un párrafo. Ellos dicen que esto hace que sea más fácil de leer y que el diseño se verá más limpio y profesional. Mentira! La razón por la cual hacen esto es para que tu documento sea más grande y costoso. ¿Por qué hacen esto? Porque los diseñadores gráficos odian a la gente… también comen bebes…crudos.

Así que pídele al diseñador que use márgenes pequeños y el texto lo haga muy pequeño. Que use muchos tipos de letra y de esos dibujitos que vienen predeterminados en los programas de Office. Ellos trataran de defender sus razones pero no te preocupes, al final tú eres el cliente y tienes la razón.

4- Logotipos. Si le tienes que enviar un logotipo a un diseñador para algún proyecto asegúrate de seguir el procedimiento de mandar imágenes detallado en la regla #1 o mejor aun, dile que lo baje de Internet o mándaselo por fax. Una vez que el pobre diablo logre recrear tu logo en el diseño pídele que lo haga lo mas grande posible. Por otra parte, si quieres que te diseñe un logotipo personalizado haz tus propios bocetos en una servilleta o pídele a uno de tus sobrinitos que lo dibuje por ti. El boceto tienes que estar lo MENOS detallado posible. Entre menos entienda el diseñador mejor porque así lo obligaras a hacer mil cambios después. Nunca aceptes la primera propuesta que haga ni la novena. Pídele que meta una foto en el logotipo, letras en 3D con degradados de arco iris y que use por lo menos tres tipos de letras.

Cuando te entrega la décima propuesta dile que te gusto mas la segunda pero que se parezca a la quinta usando los colores de la séptima. Esto es cruel pero recuerda los diseñadores gráficos son la causa numero uno de cáncer en nuestro país.

5- Usa tus propias palabras. Cuando le describas un proyecto a un diseñador asegúrate de usar términos que no significan algo como por ejemplo: “Quiero un diseño súper padre” o “que se vea bonito”, “que vibre”, “algo espectacular”. Si lo prefieres usa términos contradictorios:“colorido pero en blanco y negro”“conservador pero extravagante ”Hacer esto pone al diseñador un paso más cerca de la locura y mas lejos de querer seguir ejerciendo su profesión.

6- Colores. La mejor manera de escoger colores para tu diseño es al azar. Puedes escribir los colores que más te gusten en papelitos y echarlos en un sombrero y escoger a ciegas. Los diseñadores sugerirán que escojas dos o tres cuando mucho pero no te dejes engañar ellos quieren sabotear tu trabajo, escoge cuantos colores quieras y si quieres cambiarlos a la mitad del proyecto estas en todo tu derecho.

7- Fechas límite. Cuando el diseñador te pida que apruebes el proyecto, tomate tu tiempo. No hay prisa, tomate dos o tres días hasta una semana si quieres siempre y cuando justo un día antes de vencer el plazo de entrega del proyecto le digas al diseñador que tiene que hacer mas correcciones y cambios. Esto probablemente hará que el hígado del diseñador explote pero ¿qué más da? Ellos son responsables de los ataques terroristas que ha sufrido nuestro país últimamente.

8- Acábalo!! Después de aplicarle todo lo de esta lista a tu víctima, el diseñador, por naturaleza humana (está por determinarse si son humanos o no) se sentirá un tanto inseguro. Para ahora se dará cuenta de que no puede satisfacer tus necesidades y abandonara toda esperanza de ganar un argumento contra ti y hará todo lo que le pidas sin respingar. Si quieres tu diseño en amarillo canario con letras naranjas lo hará.

Es fácil pensar que después de todo esto has ganado la guerra contra los diseñadores pero recuerda que la meta es que el diseñador se retire del negocio. Así que prepárate para darle el golpe mortal. Cuando se estén haciendo las decisiones finales sobre los colores, el texto, las imágenes, etc. Dile que te sientes defraudado por su falta de iniciativa, que él es el diseñador y debería ser él quien tome las decisiones usando su experiencia y talento, no tú.

Dile que esperabas mas iniciativa y consejos de su parte y que ya estas harto de su falta de creatividad y que de ahora en adelante tú harás tus propios diseños en Microsoft Publisher o Word en vez de pagar por sus servicios. Después de esto puedes estar seguro de que en el mundo habrá un diseñador grafico menos del cual cuidarse.”

Básicamente ahí termina el manifiesto. Al terminar de leerlo, ¿no sienten que este plan ya está en marcha?

El texto se lo debemos a Isopixel.

Afiches en contra de la prostitución

2007-08-09T22:20:00.000-05:00

Personalmente, hace algún tiempo no he tenido la oportunidad de crear un afiche ya sea por un encargo o simplemente por diversión. Siempre he pensado que el afiche es uno de los mejores canales para mostrar ideas a la sociedad.

Navegando por el Internet, encontré una página que muestra los resultados de una competencia mundial de afiches, el tema bastante en boga en el presente:
La explotación (sexual) o esclavitud de mujeres y niños.

El fenómeno del mercado del sexo y del turismo sexual, a estado en conversaciones y debates los últimos 15 años en todo el mundo. Documentales, videos, fotografías, crónicas escritas han abordado el tema.
Y es que lastimosamente este hecho esta conviviendo con nosotros y por ello se vuelve común y deja de impresionarnos.

La falta de acciones en contra del sexo como mercancía ha hecho que muchas mujeres y niños sean tratados como objetos y el fenómeno de las fronteras abiertas ha hecho que muchas de éstas personas caigan en la prostitución cuando salen de sus países buscando un mejor futuro.

La falta de libertad no está asociada siempre con la prostitución, pero se puede establecer el abuso, las malas condiciones de trabajo, la pobreza y la desesperación como la catapulta para la venta del cuerpo.

Las palabras se quedan cortas si las comparamos con la gráfica, ciertamente muchos de esos afiches sobrepasan los discursos, así que dejando las letras a un lado una pequeña muestra de los afiches:

Para ver los demás afiches de la competencia el link está acá:

Quantoproject

Habitáculo Sustentable (2)

2007-07-16T08:53:00.000-05:00

Definición del sistema general de diseño

Dignifica al hábitat con calidad para la vida, por costos y sistemas de adquisición, elimina los controles, políticos y económicos; Nuevo concepto de vivienda temporal, móvil, desarmable, transportable, que desliga la propiedad del suelo, e infraestructura base, responde a la movilidad poblacional; Preestablece la igualdad y equidad al incorporar todos los elementos básicos para una vida dignificante.

Los índices de afectación ambiental de los procesos de fabricación son manejadas por la industria, el diseño de la estructura posibilita la utilización de materiales alternos condicionados a normas ambiéntales específicas; y, con el mantenimiento y sustitución de piezas, se alarga la vida útil.

Por ser industrializado, el costo oscilaría entre los mil dólares por unidad, con todo el equipamiento, sanitario y mobiliario; e, instalaciones eléctricas y sanitarias. Por adquirirse por piezas, está fuera de los sistemas de financiamiento crediticio bancario tipo para vivienda. Por ser temporal no requiere de propiedad del suelo (costo agregado), ni de obras de urbanización clásicas, rompe con el sistema de la renta y plusvalía del suelo urbano

La calidad de la propuesta está en el diseño, que irrumpe en la arquitectura reconceptualizando el espacio habitable como un producto industrial, única salida a la crisis de vivienda mundial. Los cánones estéticos están dentro de los rangos de los objetos industriales, a los que la propuesta agrega, la opción de autodeterminación del resultado final, por flexibilidad en las opciones de configuración, para que respondan a valores culturales de los usuarios finales

Descriptores del Sistema

Estructura

Es una estructura espacial, basada en elementos lineales y nodos tipo, permite un crecimiento longitudinal por agregación. Estructura de bajo costo y alta rentabilidad. Se sustenta sobre elementos elevados del piso para evitar contacto directo con suelos húmedos, pantanosos y evitar invasiones de plagas de insectos u otros, se aísla térmica, acústica y físicamente, puede armar una familia en un día. Tiene volumen embalado estimado de 3.75m3

La doble cubierta esta diseñada en materiales textiles de alta resistencia y aislamiento térmico, una alternativa opcional es un sistema inflable, el acceso cuenta con una grada que se desliza y se transforma en rampa para discapacitados.

Infraestructura

El consumo de agua se economiza en un 80% global per cápita, por reducción de caudal, se diseña un sistema de succión y presión, el inodoro evacua por aspersión a presión, para este uso se reutiliza el agua gris (se reduce el consumo de 6 litros de agua potable a 1 litro de agua reciclada). Para la ducha se usa el mismo principio de aspersión y el agua pasa por el calentador solar. Las aguas grises provenientes de la ducha y lavamanos, son reutilizadas para la evacuación del inodoro.

Para el tratamiento de aguas negras se diseña un sistema de descomposición orgánica, los lodos se precipitan en recipientes biodegradables para ser enterrados y las aguas tratadas son enviadas al suelo con un sistema de absorción.

La propuesta parte por considerar una mayor eficiencia al proponer diseños de uso múltiple, como es el caso del recipiente cóncavo para base de cocina, lavaplatos y lavamanos, al cual se adapta un exprimidor de ropa.

El sistema eléctrico está diseñado para 12v, incorpora paneles fotovoltaicos, acumuladores y transformador (alterna-continua), hace masa un polo, se utilizan todos los circuitos y sistemas tipo automotor, luminarias, tomas, equipos de sonido y TV, reduce el consumo en más del 75%

Equipamiento

Los muebles para el espacio social son tipo sofá cama (dos), que se complementan con una litera plegable.

El sistema diseñado para los estantes guarda ropas, alimentos y otros enseres, son tipo (pieza única), que permite acoplarse horizontal y verticalmente, con un sistema variable de ajuste a la estructura.

La mesa del comedor es plegable y puede ser utilizada en tres posiciones diferentes.
La grada de acceso tiene un sistema que le permite transformarse en rampa para discapacitados.

El equipamiento de, cocina, camas, sillones, sillas, comedor, roperos, sanitario, ducha, lavaplatos, lavandería, lavamanos y sistema de almacenamiento de alimentos, antena parabólica y pantalla de TV, todos son plegables, permiten una doble posición, en uso o empaquetado, los mecanismos son básicos y de fácil uso y acople.

Habitáculo Sustentable

Ficha del Proyecto:

Responsable:

MDI Ángel L. Jácome

Estudiantes:

Esteban Astudillo
Santiago Gavilanes
Ricardo Molina
Germán Navarrete
Gabriela Rodríguez

Información sobre el proyecto:
Casilla Postal 1717651
Quito – Ecuador
E-mail: mailto:jame@uio.satnet.net
Teléfonos: 593 (2) 2246472
593 (2) 3330086
593 (9) 6103428

Escrito por:
Angel Jácome

Imágenes:

Equipo de Diseño Habitáculo sustentable

Enlaces:

* Este proyecto participó en el Concurso Holcim Awards para proyectos de construcción sostenibles.

* Este es el segundo de 2 artículos publicados en Prototipo sobre este tema.

Proyectos Destacados es una sección de Prototipo para la difusión de proyectos de diseño realizados en el Ecuador. Si usted desea promocionar su proyecto, contáctese con nosotros.

Habitáculo Sustentable (1)

2007-07-05T11:45:00.000-05:00

A propósito del Calentamiento Global, una propuesta desde el Diseño, con una visión ecológica:

Introducción

La irresponsabilidad de los países desarrollados, amparados en principios capitalistas y neoliberales han generado el debilitamiento del equilibrio natural apto para el desarrollo de la vida en el planeta, estado actual en el que nos vemos implicados todos los seres vivos, sin consulta previa.

Las consecuencias de la vertiginosa industrialización y consumo de energía, de manera paralela a la producción de mercancías de consumo, involucra al quehacer del diseño, que ha consecuencia de estos antecedentes, se subyuga transformándose en una práctica de generación de mercancías, ajenas a los valores subyacentes, como son los contenidos de comunicación simbólica cultural e ideológica.

El diseño no se exime de esta responsabilidad, por lo tanto, tiene la obligación de mediar en la mitigación y prevención de estas consecuencias, para no caer en irritas soluciones mediante la transferencia del problema a los usuarios o consumidores de estos productos.

El lenguaje configuracional de los objetos de diseño tiene como responsabilidad fundamental a más la generación de nuevos símbolos identitarios, procurar el conocimiento y posicionamiento de actitudes en referencia al bien común, como ejercicio y acción política dentro de la relación del sujeto con el medio ambiente y la biodiversidad.

Descripción General del Proyecto

Esta propuesta esta definida por las siguientes características fundamentales, que resumen los propósitos mínimos indispensables para considerar a un objeto como producto de ecodiseño y con características de sustentabilidad.

Es sustentable por su calidad ecológica en la conservación y ahorro de energía y agua, por su rendimiento económico y compatibilidad con el medio, por la no contaminación y no agresión al mismo, por preservar las normas éticas y la equidad social, por la innovación y aporte estético.

Como solucionador del hábitat temporal, (previsto para familias de 4-5 miembros), se ajusta a los ciclos de requerimientos funcionales, económicos, ecológicos, sociales y culturales, predefine la desvinculación del hábitat con la propiedad y renta del suelo, con el control financiero y con los sistemas de urbanización establecidos.

Se constituye como espacios saludables, en prevención de enfermedades y epidemias, por hacinamientos, desastres naturales, guerras, asentamientos marginales, refugios y otros.

Desarticula el concepto de espacio habitable al de inmueble, es un objeto producido en serie y conformado por piezas industrializadas, de materiales reciclables y biodegradables.

Reconceptualiza la habitabilidad en la medida que vincula al espacio con el uso, a través del equipamiento que es parte integral del sistema; es autónomo y autosuficiente, permite ajustarse a condiciones topográficas y climáticas agrestes

Indice Actualizado

2007-07-05T11:40:00.000-05:00

Cada tres meses, Prototipo actualiza su índice.

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Iconos: La portada de Sgt. Peppers

2007-06-12T16:48:00.000-05:00

(2)

It was ...forty!! years ago today...

Cuando las radios empezaron a emitir las primeras canciones, DJs y público quedaron fascinados. En EEUU se inició una suerte de competencia no declarada entre emisoras de radio que ponían el disco de manera continua durante días seguidos. Tratemos de imaginar lo que sintió la audiencia de 1967 cuando escuchó algo que nunca antes había escuchado, melodías, texturas y timbres sonoros que eran diferentes a cualquier cosa oída con anterioridad: un conjunto estructurado de canciones que ponía a THE BEATLES a años luz por delante de cualquier otro grupo de rock del momento; un sonido que obligó a los Rolling Stones, a los Beach Boys y a muchos otros a replantearse lo que entendían por música y por rock.

... so let me introduce to you... Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band!

No es en vano la declaración de que la historia de los Beatles, así como la historia de la música, se puede dividir en "antes del Sgt. Pepper" y "después del Sgt. Pepper".

La idea del álbum es que los Beatles presentan a la banda del Sargento Pimienta, y éstos ejecutan su concierto comenzando con un tema de Billy Shears: With a Little Help From my Friends, que en realidad es cantado por Ringo. Luego las canciones se intercalan. Los sonidos son tan variados que se pueden encontrar arreglos de orquesta clásicos en She´s Leaving Home, se puede "oler el aserrín del circo" en Being for the Benefit of Mr. Kite!, para luego hacer un viaje espiritual en Within you Without you. Es fácil contagiarse del optimismo de Getting Better y de Good Morning, Good Morning y sobrecogerse y temblar, sobre todo si es la primera vez que se la oye, con A Day in the Life, (considerada por muchos expertos como la mejor canción del pop y del rock y por otros tantos, como la mejor canción del mundo).

El Sgt. Pepper es un disco indispensable en cualquier colección de rock que se precie. Si no lo tiene cómprelo. Es, definitivamente, el número uno de la lista de los álbumes que se DEBE escuchar.

You say you want a revolution...

Lennon, Mc.Cartney, Harrison y Starr caminaban ya por sendas distintas pero no lo suficientemente separadas como para no comunicarse y enriquecerse con las diversas experiencias personales y musicales.

Las grabaciones para Sgt. Pepper comenzaron el 8 de diciembre de 1966, con la toma 1 de When I´m sixty -four. Al inicio, nadie pensó en un álbum conceptual; es más, antes de Sgt. Pepper, no existía la idea de un álbum conceptual, (aunque los primeros indicios los dio Frank Zappa).

Fue en medio de las grabaciones, cuando Mc.Cartney llegó con la canción que da nombre al álbum y se percataron de que podían hacer que el disco entero fuese el concierto de esta banda inexistente, lo hicieron empatando las canciones de forma natural. También, hacia el final del disco, agregaron una despedida de la banda y la canción que, en un concierto, equivale al "encore".

Sgt.Pepper obligó al productor George Martin y a los ingenieros de Abbey Road a generar tecnología nueva y una nueva forma de producir. Peter Blake tuvo que traducir la idea del primer disco realmente conceptual de la historia al diseño de la portada.

Aunque en la historia de la música grabada existen una serie de portadas famosas, varias de las cuales enmarcan música de The Beatles, no hay portada más venerada y estudiada que la del -por cuarenta años declarado el mejor álbum de la historia- Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band.

La portada, al igual que la música, era la presentación de esta extravagante banda del Sargento Pimienta. En ella aparecía también el público asistente al concierto. Así que los Beatles vestían trajes de sargento, que eran de corte antiguo pero muy de los sesentas en los colores (diseñados por Manuel Cuevas). Como detalle, mencionemos que las medallas que cuelgan en los trajes de Harrison y Mc.Cartney son las verdaderas MBE otorgadas a los Beatles por la Reina de Inglaterra.

Ya que era una banda debían llevar instrumentos, así que cada uno aparece con un instrumento de viento. Muy diferentes a los Ludwig, Hofner, Epiphone y Rickenbacker que están asociados a cada uno de los Beatles.

Imagen 01: Boceto para la Portada dibujado por Peter Blake (2)

Los primeros invitados al concierto de la Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band son los propios Beatles, para lo que se usaron las estatuas de cera del famoso Madame Tussauds Museum.

Para escoger a los otros invitados, cada uno de los Beatles escribió una lista de personalidades. La de Harrison estaba llena de maestros y gurús de la India y la de Ringo estaba en blanco. "Lo que los otros pongan está bien para mí" -dijo.

Como no existían figuras de cera de todos los personajes, se optó por usar las del Madame Tussauds solo en la primera y segunda fila. El resto de invitados fueron fotografías ampliadas a tamaño natural y recortadas sobre soportes de madera.

Imagen 02: Realización de los personajes (1)

La esposa de Peter Blake, Jann Haworth, sirvió como primer asistente de diseño y muchas de sus opiniones fueron tomadas en cuenta a la hora de diseñar la escena.

Bajo la dirección de Blake, el fotógrafo Michael Cooper sacó la placa final de la famosa portada. Aunque antes tuvo que probar distintas versiones, con los Beatles en distintos puntos de la composición.

La portada presentaba para EMI music un problema legal y ético. ¿Y si quienes aparecían en la portada no querían salir en ella?

El equipo de abogados de EMI revisó nombre por nombre, buscó si existían derechos sobre las imágenes de los muertos y envió cartas a los vivos. De todos, solo Leo Gorcey quiso que se le pagara por aparecer en la portada. Se lo quitó. Elvis también fue removido.

Para resolver la parte "ética", otros personajes fueron "censurados" cuando EMI convenció a los Beatles -especialmente a Lennon- de que poner a Jesús y a Hitler era demasiado polémico y alegaron que si ponían a Ghandi el mercado en la India podía tomarlo como una ofensa y no como un halago.

Imagen 03: Armado del Cuadro previo a la Fotografía. A la derecha, la imagen de Hitler eliminada (2)

Entre los personajes de la portada se encuentra Stuart Stucclife, el bajista original de los Beatles,
quien murió de un derrame cerebral. Stuart pertenecía a los Beatles más por ser amigo de Lennon que por su talento como bajista. A su muerte, su principal crítico dentro del grupo, Mc.Cartney, asumiría el instrumento.

Un poco antes de comenzar la sesión de fotos se agregaron tres detalles a la composición que Blake tenía preparada: de la casa de Lennon se trajo un televisor y un busto que se decidió que fuese el rostro del Sargento Pimienta. Como detalle adicional, uno de los muchachos, que trajo las flores para escribir la palabra "Beatles", hizo una guitarra con jacintos. Finalmente, como homenaje a sus grandes amigos, una muñeca lleva puesto un saco con las palabras "Rolling Stones". Éstos, a su vez, devolverían el favor en la portada de su siguiente álbum.

Imagen 04: Momentos antes de la sesión (1)

It´s all too much!

Aunque la foto para la portada resultó como la habían planeado, los Beatles no estaban contentos. Querían más. Una funda de cartón no era suficiente para un álbum como Sgt. Pepper. El empaque debía representar una experiencia tan rica como la música que contendría. Para resolver esto se llamó a Robert Fraser, un artista y publicista muy renombrado en el Londres de los sesentas. Fue él quien propuso que la clásica funda de cartón fuera enriquecida con una tapa, adentro de la tapa se incluiría una foto grande de los Beatles. La contraportada sería a full color, igual que la portada (antes eran todas a blanco y negro) y no solo incluiría la lista de las canciones sino las letras completas. (A partir de entonces y hasta la fecha, el público siempre agradece un folleto que incluya las letras).

Imagen 05: Momentos antes de la sesión (1)

Actualmente es muy cotizada la versión del Sgt. Pepper de Malasya que, al igual que la de la BBC, censuró A Day in the Life y Lucy in the Sky With Diamonds por considerar que aludían directamente a sexo y droga respectivamente. La contraportada en Malasya fue rediseñada omitiendo las letras de estas dos canciones y cambiando la foto de los Beatles en la contraportada.

La funda de papel del disco también tendría diseño. Éste fue encargado a un colectivo de artistas llamado "The Fool". Como diseño no aporta mucho a la barroca portada pero es la primera funda de papel para disco con diseño en la historia.

Imagen 06: Momentos antes de la sesión (1)

Cuando Fraser presentó el diseño del empaque a los Beatles, éstos no estaban satisfechos. Querían aún más. Mc.Cartney sugirió que se entregaran lápices de colores con el disco pero EMI objetó la idea por los altos costos de producción y distribución que implicaba.

La solución llegó de nuevo de la mano de Fraser. Se incluiría en el LP un recortable con una foto de los Beatles, que al doblar la base, se sostuviera en pie. También se encontrarían insignias de sargento, escarapelas con el diseño del bombo de Sgt. Pepper, una foto del Sargento (diseño creado a partir de la estatua que llevó Lennon a la sesión de fotos para la portada) y un bigote como el de Pepper, que se adhiere al rostro sujetándose por la nariz. Algunas versiones del Sgt. Pepper en CD todavía incluyen el set de recortables.

Ahora imaginen al público de 1967 que por primera vez se enfrenta a una portada y empaque como el descrito. ¿qué creen que pasó?

...and here´s another clue for you all. The Walrus was Paul...

Algún mensaje muy importante debía ocultar una portada como la del Sgt. Pepper. Empezó como un rumor y luego se transformó en una verdad: Paul Mc.Cartney había muerto. Todos los signos estaban en la portada, música y empaque del Sgt. Pepper. Gente en todo el mundo comenzó a buscar las pistas y las encontraron.

En la portada, una de las fotos en la fila de atrás levanta una mano sobre la cabeza de Paul. Según la tradición de la Iindia, eso se hacía a quien había muerto recientemente o iba a morir.

Se decía que la palabra Beatles, escrita con flores, era, en realidad, el símbolo de la tumba de Paul. Que algunas de las estatuas hindúes de la portada representaban a dioses de la muerte y resurrección y que sus manos apuntaban a Paul.

Se “descubrió” que Paul llevaba en el hombro la escarapela con las siglas O.P.D "Officialy Pronounced Dead". En realidad son las siglas de Ontario Police Deppartment.

En la contraportada Paul aparecía de espaldas y se suponía que las letras impresas de las canciones daban pistas según su posición con respecto a la fotografía de los Beatles. ..."wihtout you" ( de "Within you Without you") aparece a la derecha de la cabeza de Paul y la mano de George parece apuntar a "Wednesday morning at five o´clock as the day begins" (inicio de la letra de "She´s leaving home") momento en el que supuestamente ocurrió el accidente.

La guitarra de flores tenía la forma del bajo de Paul y estaba al lado de la supuesta tumba.

Mc.Cartney habría muerto en un accidente de auto tal como se describe en la letra de A Day in the Life.

Se decía que la muñeca al lado derecho de la portada tenía un auto con sangre en el interior (¿realmente pueden ver la sangre?) y el auto se parecía al modelo que conducía Paul en 1967.

Paul sostiene un instrumento negro, color relacionado con la muerte.

Existen como 20 pistas más no solo en el Sgt. Pepper sino en el Álbum Blanco, y en Abbey Road. Pero la más interesante de todas es que si se toma un espejo y se lo pone de tal manera que divida al bombo de la portada justo en la mitad, se leerán las palabras "HE DIE". ¡Pues alguien se tomó la molestia de revisar la portada usando un espejo hasta encontrar algo que tuviera sentido!

El hecho es que Mc.Cartney no está muerto, es más, acaba de publicar un nuevo disco hace una semana atrás. Y aunque él y Ringo, eventualmente e inevitablemente, pasarán a mejor vida como John y George, el legado de los Beatles parece imperecedero y hace ya tiempo que constan en los libros de historia como el fenómeno cultural más importante del siglo XX, del cual, Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band, es el disco que marca el momento cúspide.

(2)

Como dicen los Beatles “a splendid time is guaranteed for all”.

Escrito por:

Gabriel Cuesta.
Pentaedro Digital Zone

Imágenes

(1) www.thebeatles.com
(2) Tomadas del CD original

Links

The Beatles
Pentaedro Digital Zone

Ideas y representacion.

2007-06-04T21:57:00.000-05:00

Para complementar un artículo anterior: Modelos simuladores y prototipos, hemos creído oportuno revisar dos páginas web en las que los conceptos de diseño y las representaciones están a la orden del día.

Con la cercanía de la salida al mercado del Iphone y la revolución que ha causado, nos queda la curiosidad de cómo serán los teléfonos celulares del futuro, en esta página podemos encontrar una lista sin orden en particular de los mejores teléfonos concepto del anterior año en cameraphonesplaza.com.
El link llego a nostros gracias a Gromiko.

El segundo es el ganador del concurso de diseño de Peugeot, el ganador es un muchacho de 20 años. Sabemos que es un auto concepto, pero esperamos verlo por la calle un rato de estos o mejor aun tenerlo en nuestro garage (cochera). El link desde la página de Peugeot
Hay que comentar que está abierto el concurso para este año. Veamos si encontramos tiempo para dedicarle al auto.
En el Internet se pueden hallar muchos sitios como estos, con ideas de usuarios, ideas desarrolladas por empresas, en fin, prever el futuro es la premisa, la idea el resultado. ¿Acaso es ese el verdadero fin del diseño?¿Preveer el futuro?.

Menos forma, más cálculo

2007-05-19T16:25:00.000-05:00

Invito a la comunidad de Diseñadores Industriales a reflexionar:

Si es nuestra intención que el diseño aporte con el desarrollo de tecnologías para la sociedad, preocupémonos por - siendo sistémicos - dar mayor recursividad al componente lógico - mecánico que, al estético - formal.
Esto para no seguir estando, solo en las expectativas de la sociedad que nos demanda, además de novedades, soluciones de envergadura, pensando que nuestra disciplina es capaz de romper paradigmas estructurales de las necesidades humanas.
Sin embargo, se puede notar que seguimos en la periferia de los desarrollos tecnológicos, pues, quienes los hacen tienen una formación por el cálculo, la razón orienta experimentalmente sus proyectos y procuran atacar la médula de los problemas que, además, incisivamente plantean epistemológicamente.
Nosotros también somos capaces, tenemos la posibilidad de aportar significativamente, pero no mientras estemos pensando que esa es labor de científicos e ingenieros.

Artículo gracias a Fernando Álvarez desde su blog: http://faar2006.blogspot.com/
Fotografía fish bone chair. Deviantart. David Fuller.

Invitación desde la Red Latinoamerican de Diseño

2007-05-12T11:09:00.000-05:00

En el marco de la Feria Expoconstrucción y Expodiseño 2007 en Bogotá-Colombia, la Red Latinoamericana de Diseño ha programado un foro con la participación de diferentes actores interesados en que se consolide el Programa Nacional de Diseño y como consecuencia de este, se creen los Centros de Diseño en las regiones del país.

Se pretende generar un movimiento hacia la introducción del Diseño en las políticas colombianas de competitividad presentar casos de diseñadores como consultores, gestores de innovación y proponentes de políticas de desarrollo.

Participarán en esta reunión destacados conferencistas internacionales de Brasil, Canadá y Colombia, gremios de la producción, representantes de entidades del estado y del sector académico.

Los temas a tratarse entre otros son:

“La acción política del Diseño en Brasil y los Centros de Diseño”

“El papel de la Red Latinoamericana de Diseño y su acción política.”

"La importancia y el efecto del Concurso de Diseño Movelsul en la productividad de las industrias de Bento Goncalves, primer polo mueblero de Brasil"

"Programas y experiencias de la CCB con diseño y competitividad"

"Instituto de Diseño de Montreal, experiencias de un laboratorio de diseño"

"Del Diseño de productos al Diseño de negocios.”

Para mayor información: http://www.rldiseno.com

Madexpo 2007: A un paso del diseño

2007-05-10T13:09:00.000-05:00

Entre el 13 y el 22 de abril, Quito pudo ver una muestra del estado actual de la industria de la madera. Organizada por AIMA, Madexpo 2007, en su edición número 12, sin duda se ha vuelto un medidor del desempeño de este importante sector productivo.

Desde Madexpo 2005 además, se incorporó el diseño mediante la muestra “Transición” que convoca a los diseñadores del país, lo que sin duda es señal de que empresarios e industriales son concientes de la importancia del diseño en el sector productivo.

Un problema de concepto

“Para AIMA es de vital importancia continuar apoyando el diseño en la industria del mueble y objetos de decoración” (1) El concepto de decoración le hizo mucho daño a la feria. Decoradores no son diseñadores, los objetos vistos como decoración desembocan en productos cercanos al arte y la ornamentación, importantes sin duda, pero que disminuyen notablemente el concepto de diseño.

Lastimosamente, AIMA además prescindió de los diseñadores como ponentes en las conferencia paralelas al evento, eliminando así un espacio de debate que se había inaugurado con éxito en el 2005.

Tridesign 07

La decepción de la feria fue Tridesign 07. La promocionada muestra de estudiantes de diseño se vio minada por la falta de convocatoria de AIMA, limitando a dos el número de identidades participantes:

Eurodiseño: Instituto de diseño guayaquileño, con un stand muy sencillo, el instituto tecnológico Eurodiseño presentó muebles realizados con desechos automotrices: bandas de transmisión convertidas en un juego de comedor, mostrándolo como una propuesta de diseño sustentable.

PUCE (Pontificia Universidad Católica del Ecuador): La falta de un concepto de stand desmereció los productos presentados. El stand de la PUCE se vio vacío, con graves problemas de iluminación, y con información más bien limitada sobre los productos presentados y sus autores.

Transición 2007: ¿Minimalismo Ecuatoriano?

El minimalismo como tendencia reinante hace algunos años dejó sin duda grandes estragos en el diseño ecuatoriano. La mayoría de diseñadores que se presentaron van transitando por una tendencia pasada, sobre presentada y sobre todo, carente de identidad. La intención “internacionalizar” va contra los productos, que estéticamente no reflejan lo que somos, no nos identifican. ¿Cómo insertar de diseño en mercados internacionales con una tendencia que viene de afuera?.

Se destaca el diseño de Simón Rodríguez, con una propuesta alejada de lo descrito, muebles cálidos y de acabado sincero, Graciela Cobos con una propuesta estética muy atrevida, cercana a un barroco, que provocó interesantes discusiones, y el diseño de Sacha Urku, propuesta de diseño artesanal valiosa desde el uso de fibras naturales.

Llamó la atención la presencia de la Constructora Oleas Chávez, fuera de lugar en el área de diseño de mobiliario con la presentación de una maqueta arquitectónica.

Dentro de la Feria:

Amplia. De esa manera se puede definir a la sección abierta. Desde el kitch de literas en forma de camiones para niños, hasta el minimalismo de RAVE, un mobiliario formalmente frío y rígido.

La tendencia ecuatoriana al barroco se satisface con la línea de mobiliario llamada “clásica”, que vende bien en un país para el cual, durante años, el mobiliario ha sido cuestión de hábiles carpinteros y no de buenos diseñadores. La talla, el torneado y los excelentes acabados hablan de nuestra mano de obra de primera calidad.

Resalta la masiva búsqueda de materiales alternativos. Étnika presentó mobiliario en cacao, coco, y otros. Interesante mobiliario de Línea, extrañamente presentado en un stand de acabados para la construcción, con diseños de mobiliario en ratán; y una línea de diseño alternativo en fibras naturales de la empresa Teös.

Totora Sisa, presente con una línea de mobiliario artesanal en totora, que se viene vendiendo durante casi dos años, y que sin duda pide segunda colección.

Lo mejor de la feria, superando incluso a lo visto en Transición, sin duda Talleres Don Bosco, institución conformada por talleres esparcidos por la sierra centro del Ecuador, que agrupa y forma artesanos con impresionantes acabados. Un mobiliario innovador, y la obsesiva atención en los detalles. Diseño hasta el borde: juntas, detalles de cajones, manejo de texturas; mobiliario cálido, estéticamente acogedor, amable, ecuatoriano, a pesar de ser diseñado por voluntarios italianos que trabajan en el Ecuador desde 2001.

Imagen: Mesa Junín y Sillón Ancash

Imagen: Mesa y Silla Incaica

El uso de maderas sólidas se vuelve una obsesión de los productores. Citando a un asesor escandinavo presente en Madexpo 2005: “deben de dejar de vender madera, y pasar a vender muebles”

En resumen, Madexpo 2007 presentó una variedad de propuestas. Si nos regimos a lo visto en la feria, estéticamente el diseño ecuatoriano está entre el diseño “clásico” - preferido por una buena porción del mercado, y resultado de un proceso centenario de artesanía en madera (artesanos herederos de la celebradísima Escuela Quiteña) – y el minimalismo, propuesto por los diseñadores.

Hace aún falta mirarse hacia adentro, y proponer desde nuestra identidad. Estamos a un paso del diseño.

Escrito por:
Freddy Alvear B.

Fuente:
(1) Boletín Madexpo
Suplemento Comercial de El Comercio
13 de abril de 2007

Imágenes:
Material Gráfico Entregado en la Feria

Enlaces:

AIMA

Conferencia: El libro ¿objeto tridimensional?.

2007-04-24T09:41:00.000-05:00

Como parte del evento. 2da Maratón del Cuento, Girándula Asociación ecuatoriana del libro infantil y juvenil, filial de IBBY en el Ecuador se ha programado la conferencia a cargo de Angela Lago, escritora e ilustradora brasileña.
Los temas a abordarse son:
La composición bidimensional de los dibujos del libro y su relación con la tercera dimensión de este objeto.
El movimiento del libro y los diferentes ángulos de lectura.
El lector y su relacion con la composición del dibujo.
El narrador visual y el tiempo de la narrativa visual.

Angela Lago. Escritora e ilustradora brasileña.
Ha recibido por su trabajo los más importantes galardones nacionales: el Jabuti de Ilustración y el Jabuti Infantil de la cámra Brasileña del Libro, Lo mejor para niños de IFNLIJ, IBBY-Brasil, El mejor libro de imagen de la Asociación Paulista de críticos de Arte y el Premio Adolfo Aizen de la Unión Brasileña de Escritores. Internacionalmente ha recibido el Octone de fonte del Centro Internacional de Estudios de Literarura para Jóvenes , el Premio Iberoamericano de Ilustración y la Placa de BIB de la Bienal de Bratislava.
Inegró la lista de Honor de IBBY y fue candidata por su país al Premio Andersen en 1990 y 1994. Ha sido artista invitada de la escuela de Bellas Artes de la Universidad de Minas Gerais en 1996 y 1998, y de la Facultad de Letras de la misma universidad en 1999.

La conferencia será el día miércoles 25 de 3 a 5 de la tarde en el Centro Cultural Itchimbía.
Tiene un valor de $ 5.00 por persona.

El Estudiante de Diseño

2007-04-16T13:59:00.000-05:00

(a propósito de Tridesign 07)

El Estudiante de diseño de productos y de diseño gráfico, en especial el que se forma en las carreras de diseño de las diversas universidades del país, tiene una preocupación fundamental, y es que su trabajo académico, el que realiza en las aulas y talleres, tenga un asidero en el mundo real.

Se esfuerza por entender problemas actuales, que le plantea el medio y está interesado por el bienestar de la gente.

Su aporte a la sociedad está en generar productos que tengan un concepto innovador.

Le gusta que hablen de su trabajo, se forma como una persona crítica, aprende, está en contacto con las tendencias del mercado, es un ratón no tanto de biblioteca como si de ferretería.

Cuando va de compras prefiere ir a una ferretería, no hay mejor regalo de Navidad que una caja de herramientas o marcadores.

Lleva bajo el brazo una carpeta grande con muchos papeles dibujados con bocetos y en la espalda una mochila con herramientas, alambres, pedazos de madera o de acrílico, cuando no un kilo de arcilla, el estudiante de gráfico ya se ha comprado una computadora portátil y maneja programas complejos.

Su dormitorio parece una bodega y el desorden es algo consustancial con su mente en ebullición, lugar donde fluyen ideas que tienen el tremendo compromiso de convertirse en productos, de reflejarse en un soporte o de cristalizarse en algo de tres dimensiones, reto al que constantemente se somete el estudiante en las entregas de taller.

El estudiante de diseño trabaja día tras día, duerme poco y aun cuando duerme respira y sueña diseño, al fin y al cabo esa es su pasión. Mientras tanto, en las aulas aprende de forma solidaria con sus compañeros y poco a poco se alista para ser emprendedor y propositito.

Los profesores le guían en el camino elegido, que en el país sabemos es cuesta arriba; pero con tesón y actitud positiva muchos de los graduados están trabajando en su área.

La empresa tiene un papel importante que desempeñar, el diseño es la salida a la crisis, lo exponen los expertos en todos los foros y reuniones, consta por escrito en todos los planes estratégicos, sin innovación y desarrollo no vamos a ningún lado y les decimos hoy que en el momento actual cuentan con excelentes profesionales que en conjunto esperan trabajar para lograr un país mejor.

Escrito por:

Arq. Diego Hurtado
Director de la Carrera de Diseño FADA PUCE

Tomado de:

Boletín Madexpo

Suplemento Comercial de El Comercio

13 de abril de 2007

Madexpo 2007

2007-04-16T13:40:00.000-05:00

Del 13 al 22 de abril, La Asociación Ecuatoriana de Industriales Madereros presenta Madexpo 2007. Materias Primas, Maquinarias, Acabados, y lo que nos incumbe: Diseño.

AIMA pretende de esta manera, continuar con la iniciativa de hace dos años, llamada Transición 2007, en donde se presentan diseñadores de variadas tendencias: “El público visitante apreciará talento, creatividad, habilidad y originalidad en los diseños y materiales usados en la muestra, y podrá sentir con orgullo que existe diseño ecuatoriano”.(1)

Como complemento, Tridesign 2007 se presenta como la “Exhibición de diseño de estudiantes universitarios del país”(1). Un interesante espacio de confrontación académica de, esperamos, variadas propuestas de diseño, en donde seguramente reinará la innovación.

El espacio se complementa con Charlas y Conferencias. Lamentablemente, el diseño esta vez no ha tenido el espacio adecuado.

“(…), participarán más de 80 empresas expositoras con las últimas tendencias y estilos“(1)

Sin duda, una interesante iniciativa. La próxima semana, Prototipo Diseño hará una reseña de la Feria, con nuestras particulares impresiones y conclusiones. Invitamos a nuestros lectores ecuatorianos y residentes en Ecuador a asistir, y promocionar un espacio en que los diseñadores ecuatorianos podemos encontrarnos.

Feria Madexpo 2007

Lugar: Cemexpo (Centro de Exposiciones Mitad del Mundo)

Horarios de atención:

Lunes a viernes de 15:00 a 21:00
Sábados y domingos de 11:00 a 21:00.

Organiza: AIMA

Escrito por:
Prototipo Diseño

Fuentes:
(1) Boletín Madexpo
Suplemento Comercial de El Comercio
13 de abril de 2007

Enlaces:

AIMA

El Comercio

Modelos, Simuladores y Prototipos

2007-04-09T19:41:00.000-05:00

“El diseño, insistimos, es la determinación de las características físicas y atributos del producto antes de su fabricación” (1)

Para poder determinar dichas características, modelos, simuladores y prototipos, son sin duda herramientas fundamentales en el proceso creativo, de comprobación y de producción de productos.

Se define como modelo a toda herramienta bi y tridimensional, que registra ideas, comprobaciones o validaciones del proceso de diseño. En este sentido, los modelos se clasifican en:

Modelos Bidimensionales: o bocetos, son registros gráficos bidimensionales que utilizan como soporte el papel y que se realizan con el fin de registrar ideas breves. Comúnmente son dibujos rápidos y muy esquemático cuyo fin principal es servir como anotación de una idea. Eventualmente pueden servir como medio de comunicación con el cliente.

Imagen 1: Boceto realizado para el proyecto Mandukas, Puesto de Venta Itinerante
Cliente: Cristian Bosquechetti
Diseño: Freddy Alvear

Representaciones Bidimensionales: conocidos como rendering, son representaciones tridimensionales (isometrías, axonometrías) hechas a mano, se usa para tener una idea general del producto terminado, con sus materiales definitivos. Son muy útiles como medio de comunicación con el cliente o productor; desgraciadamente, se han visto desplazados por modelos virtuales tridimensionales.

Imagen 2: Representación Bidimensional. Render hecho a mano, con técnica mixta de marcador, lápices de color y temperas
Autor: Luis Miguel Vallejo

Modelos de Estudio: Puede definirse como un boceto tridimensional, son registros tridimensionales que cumplen un papel similar a los bocetos bidimensionales, en donde la calidad en los acabados y precisión en los procesos no son prioritarios, sino la comprobación de composición tridimensional, proporción, estética, estructura. Pueden ser usados como un importante recurso en el proceso creativo.

Imagen 3: Modelo de Estudio realizado para el proyecto Mandukas, Puesto de Venta Itinerante. Se hace como consecuencia del Modelo Bidimensional, en donde se puede comprobar sus proporciones y hacer acercamiento a la estructura.
Cliente: Cristian Bosquechetti
Diseño: Freddy Alvear

Modelos Formales: Son modelos Tridimensionales cuyo único objetivo es registrar tridimensionalmente la estética, composición espacial y proporción. Al estar ligada con los sentidos, sus acabados y detalles son indispensables.

Imagen 4: Modelo Formal: Modelo formal de la Silla Joseph
Diseño: Lothar Windels
Modelo: Carla Jarrín

Simuladores o Modelos Funcionales: Son modelos tridimensionales usados en procesos de comprobación, entendiéndose como comprobación “la demostración o prueba de que las alternativas adoptadas sirven o funcionan como solución, (...) previo a la propuesta definitiva (1)” Estos modelos deben ser concebidos según el tipo y los objetivos de la comprobación a realizarse y teniendo en cuenta el usuario objetivo y sus demandas. Es además factible hacer Modelos Funcionales o Simuladores solo de la parte del objeto necesaria para la comprobación.

Imagen 5: Modelos funcional o simulador de una estructura modular para representar elementos móviles de un festejo popular ecuatoriano. El simulador, escala 1:1 sirve para comprobar ángulos de visión, ángulos de confort, puntos de apoyo corporal y relación objeto usuario, apoyados en una somatografía y registro fotográfico.
Diseño: Luis Miguel Vallejo
Modelo: Luis Miguel Vallejo

Modelos Virtuales: Resultado de la inclusión de nuevas tecnologías, los modelos virtuales son una respuesta válido en el proceso de diseño. Gracias al desarrollo de software 3D, es posible realizar modelos virtuales de todos los tipos descritos anteriormente, en donde se puede comprobar tanto factores formales (la estética, cromática, proporción, textura, composición) como funcionales (simulación virtual de funcionamiento de estructuras o resistencia de material). Su gran ventaja es su reducido costo, frente a la ejecución de Prototipos o pruebas de comprobación reales. Gracias a Nuevas Tecnologías (Máquinas de control numérico, Prototipado Rápido) estos modelos virtuales pueden materializarse fácilmente.

Imagen 6: Modelo Virtual. Continuación del proyecto Mandukas, Puesto de Venta Itinerante, el modelo pretende una comprobación formal, y un acercamiento al desarrollo técnico del producto. Se hace como consecuencia del Modelo de Estudio.
Cliente: Cristian Bosquechetti
Diseño: Freddy Alvear

Prototipo: “El prototipo se entiende como el primer modelo del producto a tamaño real y con los materiales definitivos planteados para su fabricación, que tiene como propósito la validación técnico – constructiva, funcional, ergonómica, de distribución y/o mercado de la propuesta.

(...) La fabricación de un prototipo no se hace con los procesos industriales reales con los que realizará la serie, lo que se puede definir a partir de las validaciones que se realicen, incorporando las modificaciones necesarias y revisando la capacidad instalada o el modelo de producción que se adopte, en lo que se conoce como etapa de industrialización del producto. (...) El prototipo es la aproximación más cercana al producto (1) ”

Imagen 7: Prototipo. Prototipo de sistema de puestos de trabajo para el Proyecto Cibernarium. El prototipo sirve como comprobación, tanto de detalles y tiempo de armado, así como uso, ergonomía y mantenimiento.
Cliente: Municipio del Distrito Metropolitano de Quito (Ecuador) Proyecto Quito Educanet.
Diseño: Red de Extensión Universitaria, Universidad Católica del Ecuador, Carrera de Diseño, Equipo Cibernarium Prototipado: Notria Cia Ltda..

Modelo de Pre – Producción: Es el producto previo a la producción final (artesanal o industrial), que ha diferencia del prototipo se hace con los procesos de producción reales, y sobre el cual aún es posible realizar validaciones, sobre todo en factores relacionados con la producción.

Escrito por:

Freddy Alvear

Fuentes:

(1) Franky, Jaime, “Ideas para el Diseño – Prototipo”, Revista Acto Cuarto, Escuela de Diseño Industrial, Facultad de Artes, Universidad de Colombia, noviembre 2004

Actualización de Indice

2007-04-05T13:19:00.000-05:00

El índice de artículos de Prototipo busca optimizar la búsqueda de artículos publicados a nuestros lectores, permitiéndoles un fácil acceso a lo escrito. Se actualiza cada tres meses, y ha sido actualizado el día de hoy.

Buscando ampliar los parámetros de búsqueda, hemos agregado el Indice por Autores. Desde hoy, es posible visualizar a nuestros colaboradores y los artículos que han escrito en Prototipo hasta la fecha.

Además, mantenemos el índice por temas, que agrupa los artículos escritos según su temática.

Para revisar el índice, haga click aquí, o sobre el botón que se encuentra permanentemente en nuestra sección herramientas.

A próposito de afiches.

2007-04-03T13:05:00.000-05:00

El afiche o cartel, ha sido siempre una pieza de comunicación importarte dentro de los núcleos sociales, hablemos de pueblos, parroquias, ciudades.

Para los que trabajan con la comunicación; diseñadores, publicistas, analistas de marketing, el cartel suele ser la pieza más importante de una campaña. El mismo puede sufrir modificaciones para convertirse en diferentes piezas, para ser publicadas en otros medios que complementen el plan de medios de una campaña o -porqué no- simplemente ser la única pieza de campaña.

El cartel busca el impacto y en muchos de los casos busca atentar en contra de su valor comunicativo temporal para pasar a convertirse en póster.

La historia del cartel es extensa, ya que en todos los rincones del planeta se diseñan y se colocan pedazos de papel en las paredes, con distinto formato, con diferente técnica, siempre con una intención muy dentro de si.

En estos tiempos gracias a las avances en comunicaciones podemos participar en concursos de afiches, que, a más del premio –metálico o no- pueden hacer que nuestra pieza modifique temporalmente el entorno de un sinnúmero de habitantes de una ciudad creando conciencia, informando sobre algo, tocando la sensibilidades, destacando así el valor del diseño. Si alguien se apunta, les comunicamos los siguientes concursos de afiches:

UNESCO y DESIGN 21:
El calentamiento global en estos tiempos es una noticia “pan caliente”. La discusión entre políticos y científicos seguirá sobre el tapete largo tiempo. Este concurso busca una idea de sobre una campaña en la que las personas pueden ayudar a parar el calentamiento global. La idea o las ideas puede ser, impresas, ropa, video, animación, música, etc.

A más la UNESCO y DESIGN 21, además tiene dos concursos de diseño industrial, el uno un objeto lúdico para niños y el otro destinado a la ayuda luego de las emergencias naturales.

ENCUENTRO LATINOAMERICANO DE DISEÑO:
El Encuentro Latinoamericano de Diseño convoca a estudiantes, docentes y profesionales a participar del concurso de afiches “LA MIRADA DE NOSOTROS - LATINOAMERICA HOY”.

Este concurso propone la publicación de un documento te recoja lo mejor de los afiches enviados. La participación está abierta para estudiantes y profesionales del Diseño latinoamericano.
El tema; es acerca de la mirada sobre la actualidad, diversidad e integración del diseño latinoamericano.

PURUHA DEL DISEÑO GRÁFICO:

Sin ser menos importante tenemos la iniciativa de un concurso Universitario de Diseño Gráfico Organizado por la Escuela Politécnica de Chimborazo. El tema es el calentamiento global, un tema como mencionamos arriba, en boga, que permanecerá con nosotros largo tiempo. Las preguntas las pueden dirigir a este enlace y les mostramos el afiche promocional de concurso.

En una próxima entrega esperamos tener una reseña de lo acontecido en ese concurso.

1:(Del ingl. poster). Cartel que se fija en la pared sin finalidad publicitaria o habiendo perdido ese carácter. (DRAE)

Ideoapp “Generando Ideas”

2007-03-19T17:33:00.000-05:00

Desde que el Internet se volvió una herramienta de comunidad: nacieron muchas ideas que hicieron que el fenómeno del Internet sea una revolución.
Así el correo electrónico gratuito, los buscadores y el hosting gratuito fueron ideas que ayudaron en esta revolución.
Hoy la revolución toma rumbos nuevos, como la transmisión de videos por el Internet o la pasión por los blogs, la idea de comunidad ha crecido con el concepto de las enciclopedias comunitarias que en una parte de crecimiento han dado pie a la escritura de novelas en fin la lista de evoluciones paulatinas es grande.

Pues bien, haciendo memoria ¿existe algún tipo de aplicación que ha cambiado nuestra forma de usar el Internet? ¿Nos ha faltado alguna?
Si existe una respuesta a la segunda pregunta, tal vez Ideoapp puede ayudar a que se convierta en realidad.
Ideoapp es un concurso de aplicaciones Web, la aplicación ganadora se creará para que la comunidad de usuarios web se beneficie.
Si desean más info acerca de este concurso pasen por:

· Ideoapp

· Blog de Ideoapp

Diseñando con Bambú:

2007-02-27T15:25:00.000-05:00

Introducción

El bambú es una gramínea herbácea gigante, de tallo leñoso y vainaje complejo, cuenta con un sistema de rizomas robustos que le da su apariencia característica y gran resistencia. De gran variedad, existen más de 60 géneros y más 1100 especies.

En el Ecuador, se cosechan algunas de ellas, sobre todo la especie llamada Filostaquis (introducida) y la Guadúa Angustifolia Kunth, gigante endémica de Ecuador y parte de Colombia.

El bambú ecuatoriano se caracteriza por su dureza ligeramente superior, alta resistencia abrasiva y sus dimensiones, que permiten la producción de latillas más grandes.

En nuestro país, a sido un material redescubierto, que hace poco era considerado un estorbo, “mala yerba” como se denomina popularmente.

Este descubrimiento, ha ido más bien por la explotación de la materia prima. El diseño ecuatoriano está apenas comenzando a investigar las posibilidades técnicas y creativas del material, conocido en Ecuador como Caña Guadúa. Algunos ejemplos de este re - descubrimiento desde el diseño lo hemos reseñado ya en artículos anteriores .

Diseño en Bambú.

La forma natural del bambú plantea posibilidades y retos. La posición que cada diseñador toma frente al material, determina sin duda la configuración:

Respetando la forma:

La forma cilíndrica del bambú plantea algunas posibilidades, tomando en cuenta la gran estructura, dada por la misma forma cilíndrica, la dureza del material y la estructura agregada por los “canutos” (nudos naturales del bambú). En este sentido, el diseño puede optar por respetar esta forma, aprovechando las propiedades antes descritas.

Imagen 01:
Objeto accesorio para bebidas calientes. El objeto está diseñado para contener fundas de Té de varios sabores, esencia de café, azúcar y endulzantes varios. Se complementa con una taza y la posibilidad de usar cucharas y/o servilletas.
Diseño: Dennis Calero

La configuración entonces se liga al cilindro, en busca de productos que buscan hablar de lo natural y la riqueza propia, expresando al usuario el origen, la calidez en lo auténtico. Esto no quiere decir, de ninguna manera, que se elimina la interacción con otros materiales (madera, metales, o variedades del mismo bambú, dando lugar a transferencias), para configurar accidentes praxológicos, mecanismo, u otros elementos de diseño.

Imagen 02:
Objeto escurridor secador de vajilla: El objeto, interacción de metal y bambú, está pensado como escurridor para después de lavar la vajilla, elemento aún muy usado en el Ecuador frente a las secadoras de platos. Los agujeros y la disposición del objeto en bambú responden a la praxis descrita.
Diseño: Javier Medina

Esta opción plantea retos interesantes, desde la innovación y el punto límite (si es que existe) de la intervención en el material y su configuración natural. En cuanto a acabados superficiales, el material permite ser torneado, lacado, pintado, perforado, y casi cualquier otro que se aplique a la madera. Cabe decir que en este sentido, el área de investigación es muy extensa en cuanto al desarrollo de acabados específicos para el bambú.

Desde los factores técnicos, esta opción de diseño se plantea como la idónea para procesos artesanales, en donde la tecnología aplicable y la capacidad instalada de nuestros artesanos es más bien escasa, más aún teniendo en cuenta que las herramientas y maquinaria usada para la producción con bambú es prácticamente la misma que para la madera, material con el que muchos artesanos está familiarizado. Con una correcta inserción del diseñador, visto como parte del proceso, respetuoso de la cultura del artesano, y eliminando la visión del artesano como “mano de obra barata”, esta es un interesante opción para el trabajo con este material.

El bambú: Muchas posibilidades.

Los procesos de intervención sobre el material han dado como resultado el desarrollo de posibilidades interesantes como las llamadas “latillas”, láminas delgadas de bambú.
Este proceso hace pensar al bambú como sustituto efectivo de la madera, ya que puede ser llevado a tableros, con lo que se abren un sin fin de aplicaciones como pisos, contrachapados, y otros. Para el diseño, la latillas plantean otras alternativas al momento de diseñar, incorporando el concepto de plano en el lenguaje de configuración.

Los acabados superficiales son idénticos a la madera. Se incorporan interesantes acabados como el quemado superficial.

Desde el factor técnico, el proceso primario de obtención de la latilla plantea la intervención de un nivel más alto de tecnología que en caso anterior. La maquinaria y herramienta necesaria, así como el proceso en sí, exige una intervención que se puede afrontar desde las PYMES (1), y no siempre es posible desde la artesanía rural o popular.

Sin embargo ya existen empresas en el Ecuador como Bambúa dedicada a este tipo de procesos, lo que sin duda demuestra la intención firme del empresario ecuatoriano por explorar en este material. Esto permite además la incorporación de procesos como la Artesanía Urbana (link), que tiene acceso a proveedores de la materia prima procesada.

Imagen 03:
Porta Revistas y periódicos: Diseñado para el uso en hoteles, tanto en lobby como servicio al cuarto, este objeto permite su interacción con un carrito de servicio. El uso de latillas complementa al bambú en estado natural, estructurándolo.
Diseño: Ana Jiménez.

Interacción de materiales:

Como lenguaje estético, el bambú se relaciona inmediatamente con lo natural, lo ecológico, con una nueva forma de vida más cercana a la naturaleza. Esta tendencia está presenta en las ciudades, que buscan este tipo de materiales como salida a un entorno en donde reina el hormigón y el metal. Inclusive es considerado armónico por prácticas como el yoga o el fen shui.

Estas características pueden ser aprovechas desde el diseño y hasta como una estrategia comercial. El uso del bambú, la interacción de varias variedades o con la madera, complemento casi obligado, dan como resultado objetos cálidos, íntimos, familiares.

Imagen 04:
Porta CDs: Se plantea un módulo totalmente en bambú, con juntas tarugadas que permiten flexibilidad al momento del uso. El módulo puede crecer la capacidad del objeto desde 3 a 150 CDs. Se usa bambú en rodajas, complementado con latillas. El módulo además está pensado para su configuración en curvas.
Diseño: Erika Pérez.

Sin embargo, su interacción con otros materiales son también válidas. Se destaca el contraste que se logra con el metal, material relacionado con lo industrial, con la tecnología. Al ser considerado el metal un material “frío” se logra un equilibrio con el bambú. El diseño además se ve enriquecido con transferencias, que aportan a la comunicación con el usuario.

El metal aporta nuevos elementos, como tensores, varillas, tubería, etc. que complementan el lenguaje de configuración y permiten estructura.

Como conclusión:

El bambú es un producto ecológico. Su crecimiento, después de ocho años, permite una cosecha cada año; sus procesos de inmunización y secado pueden hacerse con sustancias de bajo impacto ambiental, y al ser un elemento natural, es biodegradable.

Con un correcto desarrollo de productos, en el que el bambú sea abordado como un nuevo material y no solo como sustituto de la madera, así como investigación de proceso propios, el bambú puede sin duda convertirse en un material alternativo, que permite además el desarrollo de comunidades alrededor de su cultivo y tratamiento.

El diseño aún tiene mucho que decir alrededor de este material, sus posibilidades competitivas frente a otros llamados tradicionales y su calidad de “exótico”, visto desde otros mercados como el Estadounidense y el Europeo.

Imagen 05:
Porta Planos y lápices: Este objeto, orientado al uso en un estudio de arquitectos o para estudiantes de arquitectura, usa la forma piramidal para configurar un porta planos y otros elementos necesarios en la profesión. El desarrollo del producto llega hasta la configuración de ensambles flexibles y otras piezas de bambú.
Diseño: Raúl Almendariz

Notas:- Todos los objetos mostrados en este artículo se desarrollaron en el Taller de Objetos para uso cotidiano en Bambú, Pontificia Universidad Católica del Ecuador, Sede Quito, Carrera de Diseño de Productos.

- Profesores Asesores: Dis. Nadya Buitrón y Dis. Freddy Alvear.

- Un agradecimiento a todos los estudiantes del taller por su trabajo y sus reflexiones en torno al taller, así como el acceso a las imágenes.

(1) Pequeñas y medianas industrias.

Escrito por:
Freddy Alvear

Fotografías:

Nadya Buitrón
William Urueña
Freddy Alvear

El muro de los lamentos

2007-02-03T13:36:00.000-05:00

Texto publicado originalmente en Foroalfa. Autoría de Guillermo Brea.

Dedicado a quienes más han gastado en mi formación: mis clientes

Como se sabe, el llamado Muro de los lamentos es la parte que quedó en pie del segundo templo de Jerusalén luego de que este fuera arrasado por los romanos. Pero, jugando con las palabras, quisiera darle otro sentido a este título: la idea de que para los diseñadores los lamentos operan como un muro. El muro de los lamentos del diseño gráfico es la barrera de quejas que, anteponiendo la culpa en el lugar del cliente, impide ver las propias fallas y ponerse en el lugar del otro para entender sus razones antes que estigmatizarlo.

He generado una lista de los lamentos más escuchados y procuraré analizarlos tratando de desarmar esta mirada ombligocéntrica. Siguiendo con el tono religioso de la nota, los lamentos son diez, y como pueden ver todo diseñador ha gemido alguno de estos al menos una vez en su vida.

El cliente elige por "me gusta o no me gusta" (y su gusto siempre es anticuado, vulgar o pretencioso).
El cliente prefiere la peor opción.
El cliente quiere el logo más grande (o el texto más grande, o lo que sea, pero más grande).
El cliente es arbitrario y caprichoso.
El cliente no me tiene confianza.
El cliente cambia de opinión todos los días.
El cliente quiere todo para mañana.
El cliente mete la mano en mi trabajo (con el MI en mayúscula bold).
El cliente me destruyó mi diseño (con el ME y el MI en mayúscula extrablack).
El cliente no comprende el valor del diseño (y compra por precio).

A modo de yapa, un clamor adicional: "la facultad no me preparó para la realidad". Es decir, cuando la culpa no es del cliente es de los maestros y cuando no, de los padres.

Antes de ver estas quejas una por una, tengamos en cuenta una primera cuestión: hablamos del cliente como si fuera un genérico, cosa que definitivamente no es así; pero por otro lado sostenemos que estos problemas son específicos del diseño cuando en realidad tienen que ver con el ejercicio de las profesiones liberales en general. Es decir, somos genéricos o específicos según convenga.

1. El cliente elige por gusto

Contralamento: ¿Tiene otro parámetro para elegir?

El cliente elige por gusto cuando carece de otros elementos de juicio. Y esto no significa que sea un ignorante, significa que no se los hemos provisto o no lo hemos hecho adecuadamente. A la mayoría de las personas, cuando se les explica algo lo entienden, y cuando no es así es casi siempre porque se les explicó mal. Es más cómodo decir "el cliente no entiende razones", que decir "no entiende MIS razones" que pueden ser insuficientes, inadecuadas o incomprensibles.

Preferimos poner al otro en posición de ignorante cuando lo que sucede en realidad es que tiene una formación diferente a la nuestra. El cliente no tiene ninguna obligación de saber sobre diseño y en cambio nosotros sí tenemos la obligación de explicarle. Y con esto quiero marcar un punto central: la didáctica no es un opcional, es parte del servicio que se espera del profesional.

La alternativa a "me gusta/no me gusta" es generar junto con el cliente parámetros de juicio consensuados. Parámetros que deben basarse no en mis prioridades de diseñador sino en interpretar sus necesidades, respetar su pensamiento y comprender su incertidumbre en relación con el riesgo que afronta.

2. El cliente elige la peor opción

Contralamento: ¿Quién creó esa opción?

Este es uno de los lamentos que más me llama la atención, porque parece pasar por alto que esa opción peor también la hemos generado nosotros. Más allá de eso, conviene recordar que un proyecto es un proceso. Un proceso dialogado en el que se van descartando unas respuestas en favor de otras, donde el valor en juego es la VIABILIDAD. Unas alternativas son viables, otras no lo son. De modo que:

el cliente se ve forzado a optar entre varias soluciones, ninguna de las cuales le parece viable, o bien…
el cliente opta por la opción más viable pero no en términos de gráfica.

En el primer caso conviene recordar que cuando contratamos un servicio profesional, junto con el asesoramiento esperamos recibir una PROPUESTA. Cuando no aceptamos la propuesta y elegimos quedarnos con nuestra idea, es casi siempre porque el profesional no nos convence, en cuyo caso, si es barato le indicamos lo que debe hacer y si es caro buscamos a otro.

El punto es que los diseñadores gráficos proponemos muy poco. Cuando un diseñador dice llevarle al cliente tres propuestas, en realidad esta llevando tres respuestas a la misma pregunta. Proponer significa hacer que el otro se replantee la pregunta, no variarle las respuestas. Cuando la solvencia para proponer no convence es cuando el cliente toma la iniciativa y el control del proceso. Si esto sucede no es necesariamente un caso de personalidad dominante. Créanme, es que algún error hemos cometido.

Luego, entre las propuestas el comitente sí puede elegir una en detrimento de otra. Pero sus parámetros de selección no son sólo de diseño sino comerciales, operativos, financieros, etc.; y si la propuesta sobresaliente en lo gráfico no cumple estos requisitos, entonces no es la mejor propuesta.

3. El cliente quiere el logo más grande

Contralamento: ¿La pieza cumple con su cometido?

Como decía Knut Yran, a veces el cliente pide un puente cuando lo que necesita es cruzar un río. Normalmente, cuando un cliente dice más grande o más acá o más allá, esta señalando algún déficit de la pieza aunque no sepa expresarlo con precisión. Ese cliente conoce su negocio y sabe algunas cosas respecto de su público.

El asunto es no cerrarse ante la presunta intromisión en nuestra obra y detectar qué es lo que, a los ojos del cliente, está fallando, aunque no sepa cómo expresarlo. No deja de sorprenderme el nivel de obstinación que muchos colegas tienen para defender un resultado ni siquiera estético sino esteticista, por encima de cualquier necesidad operativa.

Algunos diseñadores se amargan porque el resultado final —donde han intervenido las opiniones de otros— les parece estéticamente repugnante, y se ven impedidos de firmar la pieza. Esa estupidez de raíz autoral según la cual un folleto se firma como si fuera un cuadro es una muestra de pensamiento equívoco en nuestra profesión.

Detrás de esto está la lógica del portfolio. En la carpeta (impresa o digital) se ponen sólo las piezas que quedaron más lindas —es decir las que más me gustan—, hayan servido o no. Luego les mostramos ese portfolio a los clientes para que nos elijan y finalmente nos quejamos si juzgan nuestro trabajo según su gusto personal.

4. El cliente es arbitrario y caprichoso

Contralamento: ¿Los diseñadores no?

Esto me lleva a un asunto que daría para un artículo mucho mayor pues tiene que ver con el estado de la disciplina en general. Mi hipótesis es que el modelo actual de diseñador es en muchos casos (aclaro que estoy diciendo en muchos casos, no en todos y ni en siquiera la mayoría), el de un operador con buenos argumentos.

¿Que quiero decir con esto? La inserción universitaria del diseño ha hecho que cualquier profesional se defina como un comunicador visual dejando atrás al mero operador. Lo cual está muy bien de no ser porque hemos quedado a mitad de camino, como operadores que manejan jerga de comunicadores pero sólo a modo de justificación o como un deber ser vacío y esquematizado. Personas que pueden usar las palabras pregnancia, estrategia o capital marcario pero que no pueden ligar en la práctica el diseño con el negocio del cliente, y cuando producen lo siguen haciendo con una mezcla de habilidad técnica y arbitrariedad autoral. Entender el negocio del cliente y, por sobre todo, entender que el negocio del diseño no es sólo diseño, es otra cosa.

¿Qué nos falta para ser verdaderos comunicadores? Lo que requiere toda comunicación decente: considerar al OTRO. En este caso a un primer otro que es el cliente y lo más importante a su público objetivo, esto es: los clientes de nuestros clientes.

¿Cual es el antídoto contra la arbitrariedad (propia o ajena)? EL TESTEO. La arbitrariedad del cliente se combate con evidencias pero para eso hace falta primero saber testear —cosa que pocos diseñadores se toman el trabajo de aprender— y segundo estar dispuesto a escuchar lo que el testeo diga. Desde luego esta idea no es muy popular entre los diseñadores gráficos porque implica un recorte importante en el propio ego.

5. El cliente no me tiene confianza

Contralamento: La confianza es un vínculo.

Esto se entronca con el punto anterior. La confianza no es un portfolio. La confianza en cualquier relación profesional es una construcción mutua que requiere tiempo, solvencia, conocimiento, capacidad de respuesta y por sobre todo diálogo.

Lo primero que un diseñador debe saber es escuchar —y preguntar bien— mucho antes que dibujar. El problema (y aquí va otra hipótesis para seguir ganando amigos) es que esta es una profesión que permite ejercer siendo demasiado joven (con un promedio de edad sorprendentemente bajo comparado con los propios clientes). Se egresa demasiado joven de la carrera y se ejerce de modo independiente mucho antes de sumar horas de vuelo.

Esto genera por un lado una inexperiencia de vida, y por otro un aislamiento respecto de la posibilidad de trabajar con otros y aprender lo más importante: a escuchar y saber preguntar. La formación se logra estudiando, ejerciendo y viviendo, y el diseño es cada vez más una construcción colectiva.

Cuando un cliente debe confiar una inversión importante a un profesional, no sólo necesita calidad en la prestación. Necesita saber que está en manos de alguien que le transmite confianza. Es decir, que sabe escuchar y que tiene el entrenamiento como para tomar decisiones —a veces difíciles— en función de lo que escucha.

6. El cliente cambia de opinión todos los días

Contralamento: ¿Hay un sentido de proceso?

Un proyecto de diseño es un proceso, no solo para el diseñador sino también para el cliente que encarga ese proyecto. El cliente también aprende sobre la marcha y procesa en un ciclo iterativo de prueba y error. Ahora bien, ¿ese proceso está planificado o es azaroso? Y de ser planificado ¿quién se supone que debe planificarlo, el que se presume solvente en el tema (o sea el diseñador) o el inexperto? ¿Cuantos diseñadores entregan al iniciar un trabajo un timeline con los pasos a seguir día por día, incluyendo las dificultades y demoras que van a surgir y que el cliente no tiene por que conocer?

Diseñar es anticipar en sentido amplio. No sólo anticipar la existencia de un objeto antes de producirlo, sino también anticipar todas las etapas del proceso productivo de ese objeto. Clientes rigurosos y metódicos en sus procesos productivos o industriales se convierten en anárquicos en relación con los diseñadores. ¿Por que será? ¿Porque han enloquecido de pronto o porque en sus procesos productivos tienen profesionales capaces de planificar y aquí no?

7. El cliente lo quiere para mañana

Contralamento: El diseño es parte de un proceso productivo.

Esto va en línea directa con lo anterior. La producción no es un mal necesario con el que un dios vengativo castiga a los diseñadores por ganar dinero fácil. Un diseñador es parte de una cadena productiva y debe asumirse como tal.

Saber cuando cortar un proceso es tan importante como saber resolverlo. La administración del tiempo es el cincuenta por ciento de la buena gestión de proyecto, y es importante considerar aquí los riesgos que cada uno asume. Una imprenta pone en juego un capital técnico, humano y financiero infinitamente mayor al de un diseñador gráfico, con una tasa de ganancia inferior, y un cliente multiplica varias veces el costo del diseño en forma de implementación y puesta en marcha.

Existen también sin duda aquellos clientes que apuran por puro gusto, pero esto se soluciona contrademandando los insumos con la misma urgencia. Si la presión es genuina, vuelve. Si no, es que todo puede esperar.

8. El cliente mete mano en el trabajo

Contralamento: ¿Quién se lo permite?

En la misma línea del punto dos, cuando un cliente se pone a diseñar es porque se le da el espacio para hacerlo. Y ese espacio sólo se clausura si la solvencia del profesional resulta una inhibición para la intromisión. Participamos cuando sentimos que el otro esta a nuestro mismo nivel o porque su respuesta nos genera un vacío de sentido.

9. El cliente me destruyó mi diseño

Contralamento: ¿El diseño era sustentable?

Dos cosas en relación con este lamento. Primero, desterrar esta cuestión de ME destruyó, MI diseño. Más allá de la ilusión autoral, hay una razón estrictamente técnica: un diseñador debe analizar sus propuestas antes de llevarlas al cliente y ver si son adecuadas. Para esto hace falta distanciamiento, desapego. Poder analizar el trabajo como si fuera ajeno y criticarlo con imparcialidad. Esto significa que debe aprender a distanciarse del objeto rápidamente. Y si considera que la pieza es un hijo difícilmente pueda hacerlo.

El segundo punto tiene que ver con la viabilidad del diseño. La mayoría de los manuales de normas nunca se implementan por completo. ¿Será porque una conspiración de clientes malvados pretende combatir al buen diseño o será porque esos manuales no contemplan las condiciones reales de la organización y son —en los hechos— inaplicables? La mayor parte de los diseños "destrozados" por el cliente son consecuencia de su intento de adaptarlos —aunque fuera torpemente— a condiciones reales no previstas por el diseñador.

10. El cliente no comprende el valor del diseño y me regatea el precio

Contralamento: ¿El diseñador sí lo comprende?

Sobre este tema, un solo párrafo en forma de pregunta: ¿Además de repetir de memoria que el diseño es estratégico, cuántos diseñadores pueden realmente demostrar con argumentos y con números cuál es la incidencia real del diseño para un negocio determinado?

Y respecto del regateo: la comprensión del carácter estratégico es independiente del precio. Un cliente puede entender perfectamente que rol tiene el diseño en su estrategia comercial y aun así discutir el precio, como haría cualquiera de nosotros.

Últimamente veo por todos lados métodos para presupuestar, pero no veo ninguno que contemple, como de costumbre, al otro. Un presupuesto no se elabora solamente de modo unilateral, considerando mis gastos y mi tasa de ganancia. Considera también la negociación que tiene que ver con los modos comerciales del otro.

Por último, la madre de todos los lamentos:

La facultad no me preparo para la realidad

Contralamento: decía Oscar Wilde que después de los veinte años cada quien tiene la cara que merece.

¿Formación de base o conocimiento práctico aplicado? Esa es la disyuntiva de todas las universidades del mundo y en todas las carreras. La mitad de los alumnos se queja de no haber recibido suficiente background conceptual y la otra mitad de no haber obtenido suficiente herramental técnico práctico. Ninguna universidad ha resuelto esto. Y la verdad es que no tiene por qué resolverlo. Uno no es profesional cuando sale de la facultad. Es profesional si trabaja mucho y tiene suerte, varios años después.

El camino que garantiza el respeto y la confianza de los clientes y nos posiciona como profesionales está hecho de formación y aprendizaje permanentes. Para aprender se requieren solamente humildad y desconfianza. Pero esa desconfianza no es respecto de los demás, sino de nosotros mismos, de nuestros prejuicios y de nuestra tendencia a culpar a otros.

Escrito por:

Guillermo Brea.

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2007-02-01T14:13:00.000-05:00

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2007-01-05T13:57:00.000-05:00

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Artesanía Urbana III

2007-01-03T12:04:00.000-05:00

CAPITULO 2

Características de la Artesanía Urbana

Variables y constantes conceptuales

Para que llave “artesanía urbana” sea a la vez, en su unidad, una expresión dialéctica, es necesario que se manifieste a través de unas constantes típicas de la artesanía, y de unas variables, concernientes a la ciudad.

Constantes: Que se encargan de mantener los principios de la artesanía para que no se confunda o mute a una actividad industrial.

a. Acumulación: En la medida en que parte de algún tipo de conocimiento cultural específico o consolidad alguno; lo importante es iniciar o mantener un proceso de memorización de cierto conocimiento ideológico.

b. Transformación: Deber ser en esencia una actividad creativa e innovadora. Toma el conocimiento que posee, lo interpreta, lo abstrae y posteriormente propone una identidad nueva, ya sea en una nueva técnica, producto (arquetipo), material o interpretación significativa.

c. Transmisión: Debe ser una actividad teleológica, en el sentido de la manera como trasmite el conocimiento que posee a través de aprendices y desarrollando y comunicando la experticia.

Variables: Se encargan de leer e interpretar el comportamiento de la ciudad.

a. Velocidad: Circulación de la información en la ciudad, la cual se mueve rápidamente, es más transitoria que permanente, presenta una alta movilidad. Cambio e innovación son esenciales.

b. Flexibilidad: La información utilizada no pertenece exclusivamente a cierto microcontexto ciudad o región, sino que se mezclan. Técnicas, materiales, interpretaciones, ideologías y en general la información entre las redes sígnicas puede intercambiarse de tal manera, que se propende hacia una variedad de la información.

c. Coherencia: A pesar de la velocidad y la flexibilidad, es necesario que existan patrones de información estable, de tal manera que se pueda generar una cultura de conocimiento con capacidad de posicionamiento e identidad.

Como actividad cultural

Como actividad de interpretación cultural, es necesario que sus expresiones sean la representación de algún tipo comportamiento de los valores ideológicos de la ciudad (micro-contexto, tribu, barrio, comportamiento colectivo, etc.), ya sea perteneciente a la red sígnica o simbólica. También es posible que la interpretación corresponda a otras dos esferas culturales: primero, a una resignificación contemporánea de costumbres urbanas anacrónicas o en vías de desaparición, y segundo, a una urbanización de valores tradicionales nacionales o rurales.

Como actividad creativa

Es una actividad cuyos principios cognitivos, representativos y productivos están consolidados en la heurística, el pensamiento analógico [[1]] y la flexibilidad praxológica.

Imagen 7: Joyería contemporánea.
Concepto: Microarquitectura y estilémica urbana Bogotana.
Diseño: Haus Ltda. (pie de imagen en letra pequeña)

Comportamiento del artesano urbano

Debe estar enmarcado necesariamente en todo lo descrito con anterioridad, entre los cuales podrían estar los siguientes perfiles: inventor popular, neoartesano, pseudoartesano, empíricos o técnicos en todas las áreas relacionadas con materiales, profesionales de las artes y el diseño, personas naturales con alguna habilidad manual, y en general, cualquier persona con aptitud para explorar, innovar, interpretar, representar, trasformar y configurar espacialmente por un lado, y de conocer bien un contexto cultural, por el otro.

Materia prima

Utiliza materiales tradicionales, industriales o sus combinaciones. En el caso de los industriales, el valor cultural debe estar en alguna otra variable, ya sea técnica, simbólica, configurativa o ideológica.

El producto artesanal urbano

Uno de los principales pilares de la expresión del producto artesanal urbano se consolida en su carácter de particularidad, de alguna manera contrasta con el producto industrial, razón por la cual debe presentarse como una propuesta innovadora por su características de diseño y su valor cultural. Además, asume idóneamente las dinámicas o cambios sociales reaccionando con rapidez. Desarrolla colecciones de producto y se destaca por su calidad moderna e integral y el sello manufacturero.

Producción

La producción y la creación podrían hacerse en diferentes tiempos o paralelamente, siempre y cuando haya posibilidad creativa en ambos tiempos. A diferencia de la artesanía tradicional cuya reproducibilidad es 1 a 1, en esta la reproducibilidad podría presentarse en medianas o pequeñas escalas, siendo la mejor alternativa alguna modificación sencilla que procure una tendencia biocéntrica en el producto.

Probablemente y dependiendo de algunos aspectos, al principio utiliza satélites y en general los recursos productivos medianos y pequeños de la ciudad, hasta que finalmente monta su propio aparato productivo.

Valor fónico

Propuesto analógicamente desde una figura de la fonética que define los acentos, este factor define que una importante característica del producto está en la manufactura, en el toque manual como una importante expresión técnico/productiva que lo diferencia en definitiva del producto seriado.

Imagen 8: Mobiliario étnico contemporáneo. Colección Telart.
Diseño: Casa Etnika Ltda. y No Name: Design Ltda.
Concepto: La colección concierne a la ideología instaurada desde los tejidos, el telar y toda su riqueza viso-espacial.

Proyección empresarial

- Se estructura bajo una microempresa o famiempresa.
- Los productos se comportan como sondas en los mercados.
- Explora mercados de consumo.
- La competitividad se da por la variedad, la innovación, lo exclusivo, lo específico y por la identidad, tradición y valor fónico.

Factores técnicos

- Combina las técnicas en función de la variedad.
- Maneja un signo pregnante o estable y unos variables.

Complejidad configurativa del producto

- Se mueve desde diferentes interpretaciones que van desde:
- Partir de un arquetipo (morfogenética) o diseñar un arquetipo (morfoinnovación).
- Lo semántico hasta lo sintáctico y sus combinaciones.

Tecnología

Se hace necesario especificar profundamente el comportamiento tecnológico para evidenciar las necesidades trasformativas que garanticen la viabilidad de los conceptos de la artesanía urbana, la cual diferencia los ejes creativos de los productivos y que plantea la necesidad de evolucionar de una técnica hacia una tecnología.

Referentes morfológicos y estéticos

El hombre urbano habita en un territorio con alta carga artificial. A diferencia del artesano rural, que se inspira y utiliza códigos de la naturaleza, el artesano urbano entonces, se inspirará y utilizará códigos de la artificialeza[[2]].

El concepto de la artificialeza se presenta como la morfogénesis estética de sus respuestas. Se gesta entonces un enorme universo de investigación cimentado en la ecoestética, los alfabetos perceptivos y los estilemas como recurso de inspiración, interpretación y apropiación del producto latinoamericano con identidad cultural propuesto por la artesanía urbana.

Escrito por:

Mauricio Sánchez Valencia
Julio Suárez Otálora

Investigación:

No Name, Design Ltda.

Fuentes:

- [1] Sánchez, Tarquino, Suárez. “Diseñar desde el pensamiento analógico por modelos. PAM” Editorial U.J.T.L. Bogotá, 2006.]

- [2] Universo que compendia la expresión realizada por el hombre].

Enlaces:

Pensamiento tridimensional

Nota: Esta es la última de tres entregas sobre el tema “Artesanía Urbana”, que se publicaron en las pasadas semanas. Si usted desea el artículo completo, contáctese con nosotros a prototipod@gmail.com

Artesanía Urbana (II)

2006-12-22T11:28:00.000-05:00

ARTESANÍA URBANA: DEFINICIÓN

La artesanía urbana podría ser un código importante de posicionamiento e identidad del producto Latinoamericano, pues es un signo fuerte de asociación a la cultura Latina. Es una actividad productiva compleja debido a su capacidad sincrónica de interpretar el presente de la ciudad, y diacrónica, de acumular las memorias de la historia. Al estar muy asociada al producto Latino, podría ser un importante código de posicionamiento e identidad. Está encaminada con su alto conocimiento a suplir las necesidades y expectativas ideológicas de los variados grupos culturales que habitan la urbe, designando y produciendo objetos de calidades peculiares que van destinados a un grupo contemporáneo de la misma u otra ciudad, que al diferenciarse de la expresión de otras urbes y al manejar patrones culturales constantes quedan posicionados en el territorio real y conceptual de las memorias por acumulación y trascendencia para la generación de identidad.

Imagen 3: Mobiliario étnico contemporáneo. Silla mecedora Vakanna, basada en la cultura de la marroquinería Bogotana y el los arquetipos de mecedoras de pueblo. Esta silla está actualmente como finalista en el concurso “Silla mecedora latinoamericana” organizada por la feria “Puro Diseño” en Buenos Aires, Argentina.
Diseño: No Name: Design Ltda. y Casa Etnika Ltda. (Empresas de los investigadores)
Concepto: En este proyecto conjunto, las empresas decidieron desarrollar colecciones de mueble contemporáneo basado en principios culturales de nuestro país (ideologías, costumbres, artefactos, iconografía, oficios, símbolos, artesanía, materiales, etc.). No se trata de una identidad nacional del mueble sino de un reconocimiento de nuestra multiforme cultura Colombiana, razón por la cual cada colección tiene su propia génesis cultural. Es un mobiliario con alma que cuenta historias acerca de la identidad Latinoamericana, pretende llevar al consumidor del simple hecho utilizar un objeto al de poseer una historia cultural tridimensionalizada en varios de los muebles que componen su hogar, actualmente la empresa exporta sus productos a varios países y está en la final de concurso internacionales.

Entonces, es una actividad proyectual de interpretación cultural de la identidad de la ciudad, que pretende integrar en sus expresiones dos hechos a la vez: los sincrónicos, en la medida en que satisface las necesidades y colma las expectativas del hombre urbano de hoy, tiene en cuenta los valores tecnológicos, técnicos, productivos, económicos, empresariales, políticos y sociales del presente. Y los diacrónicos, ya que acumula y expresa en códigos contemporáneos las memorias y expresiones culturales tradicionales que distinguen y diferencian a esta urbe o a las manifestaciones culturales del país al que pertenece.

En síntesis la artesanía urbana es una relación o mediación de posiciones culturales que normalmente se distanciaban (rural-urbano, artesanía-industria) pero que hoy conviven, coherentemente, en el mismo núcleo de la ciudad Latinoamericana. Tiene la responsabilidad de responder a la expectativa mundial sobre el producto Latino. Es una relación y equilibrio entre tradición y contemporaneidad, entre oficio (manufactura) y tecnología, entre objeto único y masivo, entre materiales naturales y artificiales y entre memoria cultural y velocidad de la información que la hacen una actividad de interpretación cultural contemporánea. Se presenta como un enfoque inagotable y coyuntural para responder a las expectativas y demandas de la cultura material de consumo global, permitiendo a la urbe dos logros a la vez: primero, disponer de un recurso de reconocimiento de su identidad, y segundo, proveer de ideas para la generación de una perspectiva de microempresa inmediata, práctica, poco costosa e innovadora que origine empleo y aumente el capital económico con productos modernos y competitivos por su calidad e identidad.

Imagen 4: Joyería contemporánea.
Concepto: Microarquitectura y estilémica urbana Bogotana.
Diseño: Haus Ltda.

LA CIUDAD

Es necesario hacer un profundo análisis de la ciudad para comprender la dinámica del artesano dentro de este complejo estructural. Como punto de partida la ciudad se define como el más complejo estado de concreción de una cultura, es el objeto más complejo creado por el hombre (macroobjeto), que se configura en el momento en que sus relaciones internas se complejizan hasta el punto en que ninguno de sus ciudadanos es capaz de conocer enteramente su funcionamiento. Se origina por la apropiación e interpretación de un lugar y su significación, es un centro cultural o lugar en donde se representa y simboliza la existencia cotidiana en una comunidad muy dinámica. Como concreción cultural equivale a un sistema artificial altamente complejo, que se considera como un conglomerado de diversas micro-culturas donde cada individuo urbano acoge su ciudad, la interpreta, crea un sentido de pertenencia, transforma y establece signos y símbolos colectivos de reconocimiento que funcionan cohesionados mediante los principios y canales sociales de integración.

La normal tendencia a la diversidad dentro de la magnitud de una ciudad, conduce a la fragmentación del conglomerado como recurso de inteligibilidad. Los elementos constituidos en este territorio urbano se sectorizan y particularizan, organizando una red de nodos que se originan desde micro-contextos que crean grados de coherencia y establecen símbolos colectivos de reconocimiento entrelazados entre los nodos de la red a partir de los hechos cotidianos.

IDENTIDADES PLURALES

En el espacio urbano se dan procesos sociales diversos que estructuran capas distintas, de ahí, que no se puede hablar de un conglomerado homogéneo por los modos de apropiación y reproducción cultural urbana sino de identidades plurales cohesionadas por una identidad común. Estos segmentos del todo se definen como micro-contextos que se expresan, proponen y se retroalimentan entre ellos para contribuir en el proceso de resignificación de la ciudad y su reconocimiento como totalidad.

Las identidades plurales funcionan como nodos significantes y culturales en el contexto urbano y público y determinan una estructura de códigos (cognoscitivos y perceptivos) llamada red sígnica, que se transmiten y comunican ideológica y morfológicamente a través de canales virtuales en diferentes colectividades, por medio de otra estructura denominada red simbólica.

Red sígnica: Conjunto de valores tangibles, descriptivos y normativos que abarcan niveles de alta empatía entre individuos y territorio. Conforman los micro-contextos y constituyen la ciudad como un conjunto fragmentado de nodos significantes que se consolidan por niveles de afinidad cultural y constituyen los fenómenos privados y colectivos.

Red simbólica: Malla de cohesión entre los nodos situacionales de la red sígnica constituyendo un tejido total del territorio urbano. Sirve para mantener en relación los fragmentos culturales de la ciudad generando principios de pertenencia pública. Por su magnitud y carácter totalitario construye códigos virtuales de orden simbólico, colectivo y público.

Son las influencias de estas dos redes sobre las semiósferas de habitabilidad las que consolidan a la identidad urbana, instaurando el reconocimiento privado, colectivo y público a través de productos con identidad que deben ser el resultado de la artesanía urbana.

Imagen 5: Silla mecedora Kunna. Esta silla está actualmente como finalista en el concurso “Silla mecedora latinoamericana” organizada por la feria “Puro Diseño” en Buenos Aires, Argentina.
Diseño: No Name: Design Ltda. y Casa Etnika Ltda.
Concepto: Basada en la cultura de los pastores y la lana de una parte, y en el concepto de una cuna, por otra.

SOBRE EL ARTESANO URBANO

Individuo que dentro del contexto cultural de su ciudad funciona como intérprete espacial de las necesidades y expectativas de la comunidad próxima a la que pertenece. Su habilidad de representación ideológica y simbólica en imágenes radica esencialmente en que conoce perfectamente las circunstancias culturales del colectivo que interpreta. Es un excelente lector del contexto urbano. A diferencia del artesano rural, el urbano puede ser un empírico, profesional o doctor, siempre y cuando posea habilidades y tenga la capacidad de pensamiento espacial para interpretar tridimensionalmente un comportamiento ideológico. A partir de la expresión desde productos formula la acumulación de información y crea símbolos colectivos. Expresa simultáneamente las constantes diacrónicas de su contexto cultural tradicional (red simbólica), y sincrónicamente, las variables que se transportan en la red sígnica.

Imagen 6: Colección de accesorios para el consumo de alimentos. Proyecto de grado.
Diseño: Claudia Avendaño y Rosmery Rodríguez.
Modelo de análisis: Ideologías urbanas sobre la prosperidad manifestadas en abundancia, escasez y ofrenda en la alimentación.
Asesor: Julio Suárez. (pie de imagen. Tamaño de letra pequeño)

Escrito por:
Mauricio Sánchez Valencia
Julio Suárez Otálora

Investigación:

No Name, Design Ltda.

Enlaces:

Pensamiento Tridimensional

Nota: Esta es la segunda de tres entregas sobre el tema “Artesanía Urbana”, que se publicarán en las próximas semanas.

*Ventanas es una sección de Prototipo dedicado al Pensamiento de Diseño. Si desea publicar un artículo en esta sección, contáctese con nosotros.

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Artesanía Urbana (I)

2006-12-14T00:24:00.000-05:00

Producto Latinoamericano con identidad

“Y Jehová Dios hizo al hombre y a su mujer túnicas de pieles, y los vistió.”
Génesis 3:21

CAPÍTULO 1

Introducción

Fenómenos como la globalización cultural, la tendencia a la urbanización social, el desplazamiento y la situación actual del país, han transformado el popular concepto de la artesanía, la cual, en algunos de sus sectores, ha variado de su tradicional perspectiva histórica, rural y folclórica a una actividad de interpretación cultural del presente, de lo contemporáneo, que sea capaz de vincularse a las veloces dinámicas actuales del vivir social y tecnológico de las urbes sin perder su rol de actividad de interpretación cultural y referente material de la identidad de un grupo. La artesanía urbana es una actividad de interpretación cultural de la ciudad y sus ideologías a través de productos con diseño e identidad, que además de responder a las demandas de lo contemporáneo con recursos tecnológicos y enfoques empresariales, re-significa (dinamiza) los valores tradicionales de materiales, técnicas, símbolos, ideologías y oficios nacionales.

Imagen 1: Mobiliario étnico contemporáneo. Silla meridiana
Concepto: Basado en el análisis ideológico de la cultura Wayú.
Diseño: No Name: Design Ltda. Empresa fundada por los diseñadores Julio Suárez y Mauricio Sánchez, cuya génesis en el año 2002 tuvo varios propósitos: aplicar profesionalmente algunas de las investigaciones de los autores [[1]], innovar, desarrollar y asesorar producto con identidad cultural, y finalmente, prestar servicios académicos en el área del diseño. Varias de las teorías, productos y servicios de la empresa han sido reconocidas nacional e internacionalmente, hoy, sus productos son exportados a diversos países, sus investigaciones suman tres libros y varios artículos en libros y revistas. Posee por lo menos 12 investigaciones en diferentes campos profesionales y académicos del diseño y ha dictado conferencias y asesorado varias universidades y empresas del país.

Artesanía

Antes de comprender el fenómeno de la artesanía en la ciudad, es necesario tener claro sus orígenes y propósitos sociales. Inicialmente las culturas por su carácter nómada no producían “objeto de uso” debido a la poca permanencia y conocimiento de sus entornos próximos, pues este carácter hacia que su cultura mutara con mucha frecuencia. La cultura material estaba constituida por útiles, utensilios y herramientas operativos o de origen técnico que suplían sus necesidades básicas y cuya morfología aprovechaba y contendía con las leyes y principios físicos. En la medida en que ciertos grupos comenzaron a estabilizarse geográficamente volviéndose sedentarios, el conocimiento de sus contextos geográficos y el espesor de su cultura aumentó; así fue posible desarrollar tecnologías más complejas. Al ser superadas las necesidades aparecieron las expectativas, los colectivos al hacer una interpretación de sus entornos próximos, de su realidad y esperanzas consolidó ciencia, tecnología, arte y técnica paralelamente a cultura material.

Aparecen las tecnologías de la arcilla, los materiales de la tierra y los tejidos, esta última comienza a producir cestas, que utilizan los entrecruzamientos entre fibras secas, maduras y biches para consolidar las primeras expresiones connotativas en texturas que representaban distintos estados políticos (cestas de líderes diferentes a las del pueblo), ideológicos (cestas de los sacerdotes, los campesinos y los cultivadores de la tierra), de usos específicos (hogar, estancos, transporte, recolección) y en general de toda ideología socio-cultural que en la medida de las situaciones de cada grupo fue representada de manera mas precisa y compleja sobre todas las posibilidades bi y tridimensionales de la forma y el espacio, surgiendo la artesanía como actividad de interpretación cultural, el artesano como interprete y maestro de este conocimiento y el objeto de uso como discurso de prestación social y sentido cultural.

Definición

De acuerdo a lo anterior, la artesanía se define como una actividad a través de la cual se procede a una interpretación proyectiva de un contexto cultural, en el cual se plasma o trasmite un modo de vivir individual y colectivo, supliendo las necesidades y expectativas cotidianas en valores sígnicos y estéticos, que a través de artificios objetuales, van conjugando materiales, tecnologías, técnicas, habilidades manuales y todo bagaje cultural que el hombre adquiere y necesita expresar.

La artesanía es una relación entre producción, configuración y designio en una praxis paralela y continua. Su valor sígnico y estético trasciende como símbolo colectivo al interpretar espacialmente una ideología.

Origen de la artesanía urbana

Asociada comúnmente a un fenómeno rural, la artesanía ha sido un fenómeno urbano en la medida en que se ha desarrollado en condiciones sedentarias, cuando un grupo se establece en un territorio y se apropia de éste. La palabra “urbe” hace referencia a una estructura social estable y relativamente permanente, desde este punto de vista lo que sucede es que la artesanía se presenta a diferentes escalas urbanas, que van desde la comunidades rurales pequeñas como pueblos y municipios, lugar donde siempre se asocia, hasta su máximo estado de complejidad que sería el de ciudad, con el que normalmente no se asocia y el cual designamos como Artesanía Urbana. Dos fenómenos, uno global y otro local, han hecho que la manifestación urbana de la artesanía se halla potencializado en los últimos años. El global, se refiere al crecimiento urbano de la sociedad mundial, las ciudades son cada vez más grandes y complejas, adhieren a sus estructuras zonas rurales cercanas donde la artesanía es el recurso ideológico, económico, tecnológico y empresarial básico, que sencillamente y de repente, quedó adherido a una ciudad, como le sucedió a los municipios de Envigado o Itagui con la ciudad de Medellín. El local, se refiere al fenómeno del desplazamiento acontecido en la ciudad Latinoamericana (y otras); esto hizo que campesinos y artesanos que vivían en la zonas rurales se hayan desplazado hasta las ciudades cercanas, porque allí veían la seguridad y posibilidades que no hallaban en el campo, como lo que sucedido en Bogotá, Montevideo o Buenos Aires, que en cierto momento histórico han visto como artesanos rurales habitaban sus cascos urbanos, y desde sus conocimientos, proponían soluciones a lo urbano.

Imagen 2: Joyería contemporánea.
Concepto: Microarquitectura. Se fundamenta en la percepción arquitectónica urbana de Bogotá y la cultura del ladrillo, que luego de abstraída, se aplica a la configuración de joyas y objetos que son capaces por su calidad objetual, simbólica y cotidiana, de evidenciar y fortalecer la identidad ciudadana.
Diseño: Haus Ltda. Es una interesante empresa fundada en el año 2000 por los diseñadores industriales Carlos Villamil y Martha Nieto que tuvo su origen en el desarrollo de un proyecto académico llamado microarquitectura, asesorado por el profesor Mauricio Sánchez, que tenia como propósito investigar, resignificar y proyectar ideologías culturales en productos contemporáneos con identidad nacional. Haus sale del aula y se hace una de las empresas de joyería contemporánea más interesantes del país. Con el proyecto microarquitectura obtuvo una mención de honor en el concurso Lápiz de acero, posteriormente obtuvo otro premio en este evento y ha sido destacado con varios premios.

El problema de la identidad urbana

Debido a la globalización la ciudad pasa por un momento de crisis de identidad que la define dentro de un marco de homogeneidad y tendencia cosmopolita simplemente. La identidad es un recurso de metabolización de la cultura, construida por memorias. Estas memorias están hechas a partir de la sistémica de unidades residuales que se van acumulando y expresando en cultura material, cuando las memorias no existen dentro de la identidad, esta no se manifiesta, y por la tanto, la cultura de esa ciudad se desvanece.

El problema del paradigma de la artesanía

Tres hechos estancan el desarrollo artesanal manteniéndola equivocadamente distante de la urbe.

a. La artesanía como residuo histórico: Cuando se asocia exclusivamente a una actividad que funciona como memoria de nuestros orígenes e hibridaciones culturales, explicando las culturas indígenas y los procesos de colonización.

b. La artesanía como folklore: Cuando se asocia exclusivamente a una actividad que funciona como representación del conjunto de tradiciones, leyendas y costumbres de los pueblos como entidades étnicas, y que se consume como algo exótico.

c. La artesanía asociado al subdesarrollo: Los modelos que vienen de los países en desarrollo se consideran siega y erradamente como los modelos a seguir, por ello, la artesanía sufre de fuertes críticas y deterioros a causa de ideologías colonas, consumistas y globales, que al no comprender su verdadero rol, la tachan de expresión inculta, vernácula, primitiva, mal elaborada, impertinente y símbolo de lo mal hecho, todo para satisfacer el insaciable apetito económico de lo global.

La suma de estos factores ha hecho que relacionemos siempre a la artesanía como un hecho rural, campesino o indígena, y que la consideramos como una mirada nostálgica al pasado, a lo primigenio y a lo poco técnico.

Nota: Esta es la primera de tres entregas sobre el tema “Artesanía Urbana”, que se publicarán en las próximas semanas.

Escrito por:
Mauricio Sánchez Valencia
Julio Suárez Otálora

Investigación:
No Name, Design Ltda.

Fuentes:

[1] Morfogénesis del objeto de uso. Pensamiento Tridimensional. Artesanía Urbana. Pensamiento Analógico por modelos.]

Enlaces:
Pensamiento Tridimensional

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Inspiración y Diseño

2006-11-29T12:59:00.000-05:00

El Diseño, si bien responde a procesos productivos, factores humanos y ecológicos, en uno de sus aspectos más importantes responde a la estética. Y con ella, vienen conceptos muy antiguos, como la inspiración.

Ya los griegos hablaban de las musas, como seres encargados de inspirar a los poetas y artistas. Teniendo en cuenta el carácter casi divino del poeta griego, su importancia era indiscutible.

Pero, ¿hasta donde entra en juego la inspiración en el proceso de Diseño? Muchos autores piensan que dicha inspiración se produce por “fallas” en los procesos mentales, que se expresan como esa idea violenta, cuando “se prende el foco”.

Volviendo a las musas, la inspiración está más próxima a la mística, ligada a la sensibilidad, a la capacidad de observación del entorno, la facilidad de asombrarse de lo simple, características tan venidas a menos con la tendencia moderna a darle la espalda al espíritu, a todo lo que no se puede explicar desde la razón. Una definición (hablando sobre el talento): “Se refería según se podía entender, a esa capacidad para captar las cosas que se requieren para producir resultados imaginativos, con alto nivel de sensibilidad y al decir resultados se hablaba de cosas hechas realidad.” (1)

Entonces, la inspiración se alimenta de una correcta observación del entorno. Y en ese entorno se encuentra un aliado del Diseño: El Arte. Y es la estética el único parámetro que une al diseño con el arte: “Mantener activa la sensibilidad artística. A pesar de que el mundo de hoy deja poco tiempo para ello, el diseñador debe saber que el tiempo que dedica a visitar exposiciones de artes plásticas, leer ensayos y obras literarias o escuchar música es fundamental para alimentar su creatividad.” (2) Es así como asistir, disfrutar y asimilar correctamente espectáculos y exposiciones prepara el ambiente para la llegada de las inspiración.

Complementariamente, la observación del entorno cotidiano sirve para recopilar recursos creativos. En Pensamiento Analógico por Modelos (3), se define esto como “Bancos o Bibliotecas de información: Son el conjunto de elementos, situaciones y relaciones que se encuentran en los universos que rodean la cotidianidad. Es la información de tipo conceptual y visioespacial que, en gran parte, se encargan de poner en dinámica la cotidianidad, (...) Como en una biblioteca pública la información se encuentra a disposición de todo receptor sensible que decida leerla, de modo superficial o profundo (no sólo utilizarla), esta pertenece a la cultura que es la responsable de mantener su dinámica. Su riqueza es enorme, prácticamente inagotable a pesar de ser finita.“

Aunque suene romántico, la belleza está en todas partes, en la naturaleza, en el arte, en la arquitectura bien concebida, si se sabe observar incluso en la ingeniería. Esta debe ser la fuente de la que bebe el diseñador, hacia una biblioteca de imágenes y lenguajes que hacen crecer su sensibilidad y capacidad creativa e innovadora.

“Como menciona Alejandro Otálora, también diseñador, <>, hay que disponer bien la casa y armar una fiesta que le resulte atractiva” (1)

La inspiración no es una ráfaga que entra violenta en la mente del diseñador, volviéndolo un ser casi divino, un sacerdote o un gurú. Es un proceso de creación de lenguajes, de un banco de datos del que, involuntariamente, se hecha mano cuando el proyecto lo requiere. Es entonces responsabilidad del diseñador mantenerse informado, sensible y abierto hacia el exterior, sin prejuicios de ningún tipo.

Cabe aquí mencionar la trillada frase “una gota de inspiración, toneladas de transpiración”. El diseño comienza apenas con la inspiración. El desarrollo de un proyecto de diseño demanda esfuerzo, trabajo duro, en equipo, involucra otras sensibilidades, diseño centrado en el usuario, ecológico, responsable y ético.

La creatividad, inspiración, talento y sensibilidad, alejan a la disciplina del diseño de la ciencia, por ser parámetros que no pueden ni deben explicarse desde la razón. Y son estas las que vuelven al diseño una forma de vida, que va más allá de la profesión. Son estos parámetros los que nos hacen decir sin duda, que el Diseño es Pasión.

Fuentes:

(1) Tomado de Talento, artículo del Arq. Jaime Franky, revista Acto, Escuela de Diseño Industrial, Facultad de Artes, Universidad Nacional de Colombia.

(2) Tomado de Diseño para Competir, artículo de Ana María Lleras, revista Quinto Acto, Escuela de Diseño Industrial, Facultad de Artes, Universidad Nacional de Colombia.

(3) Tomado de “Diseñar desde el Pensamiento Analógico por Modelos”, varios autores; Cuadernos de Diseño Industrial , Universidad de Bogotá Jorge Tadeo Lozano, 2006

Escrito por:

Freddy Alvear B.

Ventana*: CONCEPTO Y DISEÑO

2006-11-16T17:27:00.000-05:00

Concepto: Del latín «concipere»: concebir, aprehender.

Una de las formas del reflejo del mundo en el pensar, mediante la cual se entra en conocimiento de la esencia de los fenómenos y procesos, se generalizan los aspectos y los caracteres fundamentales de los mismos. Los conceptos no son estáticos, definitivos o absolutos, sino que se hallan en estado de desarrollo, de cambio y progreso.

Si el concepto es la esencia de un objeto, se refiere pues a su significado, el diseñador procura comunicar una idea a través de la forma, el mensaje que desea transmitir debe ser comprendido, la descodificación que hace el usuario desde su contexto cultural debe ser apegado al planteamiento del diseñador. Prestar atención para que se de una relación fluida entre concepto y objeto, en definitiva es un problema de comunicación que debe resolver el diseñador.

Definición y Concepto

Hay que diferenciar una definición de un concepto. Una definición no tiene discusión, pues es terminante. Nadie puede interpretar de manera diferente lo que se define: agua, aire, hombre, mujer, vida, muerte, sol, luna..., en cualquier lugar del mundo, en cualquier idioma es siempre lo mismo, se entiende que es lo mismo.

En cambio, un concepto es la valoración o juicio que puede alguien tener sobre determinado asunto, sobre la base de sus propias convicciones, conocimientos, nivel cultural, educación, etc., etc. Así, cada quien puede tener concepciones diferentes de fenómenos naturales, sociales o verlos de maneras diferentes porque tienen diferentes enfoques sobre un determinado fenómeno...

El Concepto en el proceso de diseño.

Un concepto , debe estar presente al inicio del proceso de diseño como punto de partida, es una construcción mental predefinida que sirve para describir y clasificar los objetos y fenómenos después de haber vivido una situación que estimule nuestra capacidad de abstracción, es una disposición cerebral que se va estructurando en función de las necesidades generadas por un cliente o fabricante, el diseñador empieza a desarrollar sus primeras aproximaciones visuales a través de bocetos de una manera libre y subjetiva, que puede servir de base para depurar el modelo del producto que se va a desarrollar.

El concepto se encuentra definido como una idea, es un componente del conocimiento, que enlaza términos con sentido, es la base intelectual de todos los grandes inventos y diseños, andamio para la creatividad, es un nuevo punto de vista a un problema real, observado por la mente escudriñadora del diseñador, el concepto se puede ir redefiniendo cuantas veces sea necesario, es fácil que la mente formule nuevos conceptos se ve alimentado por los nuevos paradigmas:

-Diseño para todos

Carro de altura ajustable para reducir la necesidad de agacharse.

-Diseño para la emoción

Nokia Aeon "Idea de interfaz superficie completa del equipo es un display que cambia de acuerdo al contexto de operación.”

-Diseño ecológico

El “Yamaha usa una solución líquida de methanol y agua como combustible que elimina la necesidad de un convertidor y un tanque presurizado (del combustible) para así permitir crear un sistema ligero para un vehículo pequeño

Con estos nuevos enfoques, desde otra perspectiva, son sinónimos que marcarán la posible solución innovativa a un viejo problema, es nuestra razón de existir como diseñadores, es el nuevo papel que la sociedad nos ha encomendado, no solo sirve la capacidad de mirar problemas o problematizar una situación, sino observar ese problema de forma diferente, esta forma de trabajar nos identifica y reconoce.

Diseño, Concepto y Academia en Latinoamérica.

La mayoría de escuelas de diseño, en países desarrollados tienen una fuerte alianza con el sector productivo, cuentan con tecnología de punta y reciben encargos que son producidos con herramientas que son comunes en empresa y en la escuela como CAD - CAM por ejemplo. Otras tantas escuelas en Latinoamérica tienen en general, una débil relación con el sector productivo, no contamos con talleres a la altura de la tecnología actual, no contamos todavía, por su alto costo, prototipado rápido o modelaje 3D por ejemplo, los productos que se realizan en la escuela si bien están vinculados con problemas reales no necesariamente son pedidos que se van a fabricar en el corto plazo.

No contamos con un promotor que auspicie nuestra labor, en éste caso nuestra producción académica es independiente, esto podría ser un factor positivo que favorece la creatividad, se adelanta en el tiempo, pensamos que nuestros diseños van ha realizarse en 10 o más años, por ello el diseño concepto es nuestra salida, un diseño que se aleja de las tipologías actuales. Sin embargo, se necesita un fuerte olfato de las tendencias futuras del diseño, una carga de creatividad importante, que proponga nuevas concepciones formales que incluso representen nuevos códigos culturales, nos adelantamos a la época, se piensa en nuevas tecnologías, nuevas fuentes de energía, nuevas posibilidades de uso, en ambientes diferentes a los actuales.

Ejemplos de innovación desde el concepto:

Lavadora

Dos estudiantes de Diseño Industrial de la Universidad de Singapur; Wendy Chua, de 21 años y Gabriel Tan, de 23, diseñaron un nuevo concepto de lavadora (ojo al link) que no requiere agua para limpiar la ropa.

Basándose en los purificadores de aire (apropiación cruzada), se plantearon la opción de limpiar la ropa aplicándole cargas de iones negativos y así extraer la suciedad y las bacterias de la ropa. (Los iones son un agente de limpieza natural).

El resultado final es una modalidad diferente de lavar la ropa, que no usa agua y que es una mezcla de lavadora y tintorería a la vez.
Observen la forma final del producto, no tiene relación con lo que todos consideramos una lavadora de hecho si la miran, sin leer este escrito, no se “deduce” lo que es.

Refrigerador

El equipo de diseño industrial de Electrolux ha diseñado un refrigerador, inspirada en el diseño del futuro. El gabinete es de plástico soplado con aislamiento intermedio. En la parte posterior, las funciones se concentran, la electrónica y los cables eléctricos para formar una especie de espina dorsal de la unidad. Un módulo rápido se forma debajo del capó transparente. Con esta función, uno puede enfriar el agua, o aún una botella de vino en un minuto. Los estantes rotan dentro de la forma cilíndrica que hace las bebidas y los bocados fácilmente accesibles.

Diseño de alimentos

El azafrán se deriva de una de flor, sirve para una variedad de nuevos platos

En la industria de alimentos todos estos aspectos han generado una revolución que cambiará lo que comeremos en el futuro. Estos alimentos han sido denominados por la industria como alimentos funcionales o nutracéuticos, y han sido definidos como “cualquier alimento o ingrediente del mismo que proporcione un beneficio probado a la salud humana”. Debido a este gran cambio en el “diseño de alimentos”, en el futuro no será extraño caminar por los pasillos del supermercado y comprar un bote de helado que prevenga el cáncer de seno o el de próstata. Tampoco será extraño encontrar productos a la medida, como alimentos diseñados especialmente para protegernos de una propensión genética a problemas cardíacos que nos ha sido diagnosticada a través de mutaciones en nuestro ADN, o comprar alimentos modificados genéticamente que contengan altas cantidades de nutracéuticos naturales.

Estas tendencias, aunque parezcan futuristas, son una realidad muy cercana. Sin embargo, para llegar a este punto se está realizando investigación científica que permite separar al conocimiento científico verdadero de los mitos y estrategias de mercadotecnia.

A Modo de Conclusión

Después de todo el diseñador jamás se desvincula absolutamente de su obra. Por eso, todo aquello que cree, aun cuando en cierto sentido represente un concepto ligado al producto, refleja también parte de su identidad y esfuerzo. Comunicarse con los demás a través de su obra. Así, un trabajo creativo e innovador es siempre espejo de quien lo ha concebido, y habla de sus capacidades y profesionalismo.

El diseñador tiene en sus manos una gran herramienta y un importante deber. A través de su creatividad puede ser capaz de influir en los demás. Por eso, debe siempre asumir dicha labor consciente de ello, a fin de buscar no sólo su propio beneficio, sino también el de los demás.

Un diseño carente de contenidos puede influir en la banalización de la sociedad, acostumbrada a quedarse únicamente con las apariencias, sin preocuparse del contenido de los mensajes. ¿Se creía que el diseñador concibe productos?, no es así, el diseñador crea nuevos conceptos de vida.

Escrito por:

MDI Diego Hurtado.

Imágenes:

www.designboom.com

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Más sobre bambú

2006-11-07T00:32:00.000-05:00

Que bueno que las buenas ideas de Diseño e Industria se den a conocer dentro de nuestro país. Es interesante entonces ver de cerca el seguimiento que hace la prensa a los productos derivados del bambú o la guadúa. Al igual que el post anterior, la información a continuación busca complementar el panorama de la caña en el Ecuador.

Estos recortes son tomados del Suplemento-Revista dominical: "La Revista" del Diario El Universo. Del día 15 de Octubre del 2006. Este es el link hacia "La Revista"

Caña guadúa o Bambú, fuentes de ingreso.

2006-11-01T15:11:00.000-05:00

Hace casi 4 meses una de nuestras colaboradoras, realizó un artículo sobre el desarrollo sostenible, enfocado principalmente al Bambu o Caña guadúa.
La iniciativa de tratar bien a la caña, diseñarla, procesarla con el valor que se debe ha generado una industria rentable económica y socialmente.
Como complemento al artículo antes mencionado, tomo el siguiente artículo prestado de el suplemento "Dinero" que trae el Diario El Hoy.

Tomado del suplemento Dinero, del Diaro El Hoy del 31 de Octubre del 2006.

Perfil: Storm Thorgerson.

2006-10-23T11:01:00.000-05:00

La imagen de la música

¿Dónde se encuentran la música y el diseño? ¿Cómo los pasajes sonoros de Pink Floyd se convierten en imágenes? ¿Pueden los sonidos convertirse en imagen?

Las respuestas las tiene Storm Thorgerson, diseñador gráfico inglés, (Londres, 1944). Estudia una licenciatura en inglés en la Universidad de Leicester y una maestría en Cine y Televisión en el Royal College of Art. Se especializa en fotografía y diseño gráfico.

Sus vínculos con la música comienzan con su amistad con Syd Barret, fundador, cantante, compositor y guitarrista original de Pink Floyd, de quien es compañero de estudios durante un año. Luego conocerá a Roger Waters, bajista de la banda, amistad de la que nacería la portada de A Saucerful of Secrets, y con ella, la fundación de la mítica firma de diseño, Hipgnosis junto a Aubrey Powell y Peter Cristopherson.

Las imágenes de Thorgerson se caracterizan por su belleza, sus extraños escenarios y temáticas, y su absurda realidad. Thorgerson sabe que la fotografía es, en esencia, una mentira bien contada, y utiliza esta característica para mostrar circunstancias difíciles de creer para nuestro cerebro, pero reales a nuestros ojos.

Para lograr esto, Thorgerson ha llevado la realidad de la fotografía a su límite, evitando al máximo el montaje fotográfico. Las historias alrededor de la producción de sus imágenes hablan de esa obsesión, como montar y tender 800 camas de hospital en una playa para la portada de “A Momentary Lapse of Reason”, o literalmente incendiar a un hombre para “Wish you were here”. A pesar de usar traje y peluca de asbesto, un capricho del viento causó leves quemaduras en el rostro y el bigote del modelo.

Pero Thorgerson es más que producciones espectaculares. La prioridad, como en todo buen diseño, es el concepto, entender la música. ¿Cómo interpretar el concepto? “Viene de muchos lugares. Lo que pasa es que, en todos esos casos (refiriéndose a su trabajo con Pink Floyd) necesitas alguna clase de comunicación con la banda. Esta viene y va. Muchas veces se rompe. Principalmente puede ser la conversación, o estando ahí (durante las grabaciones), entonces tienes la sensación de cómo es realmente la música, no tienes que buscar mucho, a veces está presente en pedazos de la grabación.”

Según Thorgerson, también es importante el contacto directo con la banda y su música: “Esencial. Es esencial siempre conocer a la banda o a los músicos, y siempre es esencial escuchar la música y verlos tocar, si se puede.”

Thorgerson ha crecido con las bandas y su música. Su relación con Pink Floyd tiene ya 30 años, y su relación con otras bandas a crecido con su música, aun a pesar de sus gustos. “No hago juicios de valor cuando comienzo a trabajar. Esto me pone entre la espada y la pared, pero nunca juzgo. Dame un poco de música, y reacciono a esta (no tiene que agradarme o desagradarme) yo solo traslado esta sensación de un espectro de sonido a un espectro visible al ojo. “

El tiempo ha pasado, y Thorgerson sabe que un diseñador tiene que ajustarse a las circunstancias. El cambio de formato del disco (y por lo tanto de su portada) no le ha afectado: “(...)este es un debate continuo. La respuesta usual de los diseñadores gráficos es que el CD da menos espacio para trabajar. Pero este es nuestro reto. Además, los diseñadores son, en gran medida, realistas; Tienes una función, tienes un trabajo. Los cds están aquí. Tienes que aprender a trabajar con ellos.”

Sin duda, Thorgerson a creado todo un lenguaje, una estética alrededor de sus trabajos, tanto en sus portadas, sus cajas de colección, sus libros y logotipos. Su trabajo impacta, gusta y cuestiona, hace desear entrar en su mente, hurgar en su inconsciente.

Nadie es indiferente a su trabajo. El concepto, la fotografía como herramienta de diseño (herramienta que cada vez se usa menos gracias al dominio de la computadora en el diseño gráfico), el ingenio, la innovación, visiones insólitas, al servicio de un objetivo: traducir las sensaciones de la música a la imagen.

Algunos ejemplos:

Wish You Were Here:

“El tema puede ser expresado en una sola palabra: Ausencia. Eso fue ausencia relativa a relaciones personales, ausencia relativa a miembros anteriores de la banda. Además, la ausencia como generadora de un proyecto. Este fue el sentimiento que percibí en el aire.” *

“El hombre en llamas está ausente metafóricamente, mientras que la ausencia del clavadista en el lago es física, ya que el rastro de su movimiento en el agua no está presente. Por otro lado, el apretón de manos del póster y las calcomanías incluidas representan por igual un gesto vacío que un genuino saludo.” **

A momentary lapse of reason:

“A momentaty Lapse of Reason vino de un verso de una canción de Dave (David Gilmour, guitarrista de Pink Floyd)” *

“La frase …visions of an empty bed (visiones de una cama vacía), del tema "Yet Another Movie", fue la inspiración para que Thorgerson y su equipo decidieran colocar 800 camas alineadas en forma de río sobre la playa de Saunton Sands, en Inglaterra, de tal manera que se perdieran en el horizonte.” **

Pulse:

“Pienso que vino de dos particulares razones, una de ellas fue que era un álbum en vivo. Busqué que el empaque esté vivo, entonces hicimos una lista de cosas que incluía bolas y laberintos. Teníamos algo para que hiciera ruido cuando se abra, algo que rechine, que se huela, otros que se pueda ver en la oscuridad.

Hay dos formas de verlo: puede ser visto como un disco que te 'hablará' durante mucho tiempo, o simplemente es el tipo de disco que nunca tendrás problema para encontrar en la oscuridad" *

“Por otro lado, la edición de colección del álbum en vivo P.U.L.S.E. es considerada por Thorgerson como una buena combinación entre el desafío a la ingeniería y el atractivo para el consumidor, ya que en su costado incluye un pequeño led centelleante que falsea con la ayuda de dos baterías que pueden ser reemplazadas fácilmente. “ **

* Entrevista con Storm Thorgerson
** Comentario de esmas.

Comentarios:

“El ha sido mi amigo, mi conciencia, mi terapista y por supuesto, mi consejero artístico. Las ideas de Storm no están enlazadas con ideas de marketing. Ellas están enlazadas atmosféricamente con la música, son un extra. Yo considero que lo que hace es arte.” (David Gilmour)

“El artista visualiza el concepto, crea la escena imaginada, y la captura por medio de la fotografía. La temporalidad, es capturada a través de la cámara y luego se pierde, dejando atrás una foto como la única evidencia de la genialidad del artista, lo cual es precisamente, aquello que aparece en la portada del álbum. Al artista, en este caso, a Storm, le llena de placer el involucrar a la audiencia y provocar en ella una reacción, ¿es real o es ficción?”

“Su colaboración ha involucrado desde sencillas fotografías cotidianas e introspectivas hasta descomunales montajes físicos y artísticos; pero, definitivamente, la característica principal de su obra radica en una atractiva combinación de calidad, estética y desafío a la fiabilidad de la mente y el ojo humano.” (Esmas)

"Es un perfeccionista en su ambición por encontrar el perfecto absurdo. Nadie en el mundo haría el enorme esfuerzo de alinear docenas y docenas de camas de hospital en una playa sin razón alguna", (Douglas Adams)

Escrito por:

Freddy Alvear

Imágenes:

Página web de Storm Thorgerson

Fuentes:

Esmas
Terra
Entrevista a Storm Thorgerson

UN AÑO hablando de Diseño

2006-10-06T16:54:00.000-05:00

Hace un año Prototipo nace como un juego, con el pasar de los días el juego desapareció y Prototipo se volvió una institución para nosotros y creció como un espacio para mostrar y hablar de diseño. En este año hemos podido ir juntando a nuevos editores, comentaristas, nuevas temáticas, nuevas visiones.

El Diseño en el Ecuador es una disciplina en formación, Prototipo se plantea también como una vitrina abierta para darlo a conocer, para mirar desde un panorama más amplio, nuestra pasión; el Diseño

Gracias a la tecnología es posible mostrar lo que pasa en nuestro País y al mismo tiempo mirar referentes, experiencias positivas que otros países nos pueden ofrecer.

No vamos a tener la capacidad de mostrar todo lo que se hace en Diseño, es cierto, pero nuestro afán de crecer nos dirá cuales son nuestros límites.

La visión de los editores:

Prototipo es el lugar donde se encuentran varios actores del diseño. Docentes, estudiantes, pensadores del diseño, y ojalá algún día, empresarios y proveedores de diseño. Prototipo hace honor a su nombre, es un espacio siempre a prueba, que se validad cada semana, siempre perfectible, un espacio abierto a ser mejorado.

Prospectivamente, Prototipo debe crecer hacia fuera. Abrir nuevos espacios, involucrar nuevas visiones, continuar difundiendo lo que hace el Ecuador en diseño. Ojalá nuevos comentaristas y nuevos editores, escribiendo y pensando sobre diseño.

Freddy Alvear

Buscar temas para ponerlos a su disposición ha sido una tarea difícil, no sean escasos sino mas bien por la cantidad abrumante de pensamiento que se hace alrededor del Diseño.
Como recompensa a ésta búsqueda hemos crecido en contactos, mismos que nos han permitido llegar a lugares donde físicamente no podemos llegar. Al menos no por el momento, pero unidos por la idea de sacar al Diseño al frente.

Prototipo en el presente y en su camino hacia el futuro se plantea de esa manera, es decir como un vehículo para acortar las distancias entre diseñadores del mundo.
Gracias a aportes de muchas personas, organizaciones por medio de sus páginas nos damos cuenta que esto es perfectamente viable. Esperemos entonces que los planes que tenemos para Prototipo este año se cumplan y por supuesto, nos lleguen más, estaremos gustosos de afrontarlos.

Paul Astudillo.

Estando el diseño en Ecuador en aras de desarrollo, la gente se está acostumbrando paulatinamente a recurrir a él. De a poco están comprendiendo la necesidad y el porqué, de obtener productos y servicios enfocados a sus caracteres y cultura.

Como hemos visto en artículos anteriores, y como veremos en los próximos, nos falta mucho todavía, pero no hay peor lucha que la que no se hace. Así, mediante publicaciones y futuros proyectos esperamos expandir a Prototipo a varios niveles, con el fin de informar y propagar el diseño en sus múltiples espectros: académico, profesional, gráfico, de productos, de medios, de modas, de interiores, industrial, etc.

Hay tanto por trabajar.

Gabriela Cordovez

Un año. Nueva imagen. Nuevas ideas.

Nueva Imagen:

Prototipo tiene nueva cara. Por sugerencia de nuestros lectores, cambiamos la apariencia del sitio, para volverlo más limpio, con un manejo de color diferente, fondos blancos para los textos, vínculos destacados con sitios amigos (leemos y nos leen), una nueva herramienta, el índice de artículos que supera nuestro antiguo y poco eficiente sistema de búsqueda.

Lo que vendrá:

Algunos proyectos:

Página de Diseño experimiental, que busca llevar al límite la especulación formal, maximización del concepto y generacion de nuevos lenguajes de comunicación con esta estrategia pretendemos llevar el Diseño a nuevos campos y visiones en las que perfectamente pueden estar conjugadas la hilaridad, el humor, las críticas y proyectos aventados e "imposibles".
Prototipo editorial, generación de textos de diseño. El primer proyecto, ¿Qué es Diseño? Libro virtual y gratuito.
El ring, espacio de discusión. Prototipo se sale de la red, un espacio en donde se encontrarán personajes vinculados al diseño, con un solo fin: hablar de diseño.
Observatorio del Diseño: Prototipo continuará con la crítica a productos, objetos o piezas gráficas que se encuentran en nuestro entorno, siempre con una mirada objetiva que busca mejorar los objetos que nos rodean.

Será además, un año de sorpresas. Esperamos seguir contando con su apoyo, su presencia como lectores, pero sobre todo, recordar que este es un espacio abierto, para que diseñadores y otros actores del diseño, escriban sobre lo que más nos gusta.

Diseño es pasión

Los editores

Indice de Artículos Publicados

2006-10-03T12:56:00.005-05:00

Este índice se actualiza cada 3 meses. Haga click sobre el artículo de su interés:

Actualizado: 5 de marzo de 2008

Próxima Actualización: 5 de junio de 2008

Indice Alfabético por Artículos Publicados

A

Absolut Quito; por Freddy Alvear
Afiches contra la prostitución; por Paul Astudillo
Agendilla de fin de semana; por Paulo Astudillo
A propósito de Afiches; por Paul Astudillo.
Artesanía Urbana (I); por Mauricio Sánchez Valencia y Julio Suárez Otálora

Artesanía Urbana (II); por Mauricio Sánchez Valencia y Julio Suárez Otálora

Artesanía Urbana (III); por Mauricio Sánchez Valencia y Julio Suárez Otálora

B

C

Caña guadúa o Bambú, fuentes de ingreso; por Paul Astudillo

Centros para el cuidado infantil, poco diseño…; por Paul Astudillo
¿Coincidencia o Copia?, la Imagen de la Alcaldía de Cuenca; por Freddy Alvear

Concepto y Diseño; por Diego Hurtado
Conferencia: El libro ¿objeto tridimensional?; por Paul Astudillo
Convocatoria para Graduados - Egresados de la PUCE; por Paul Astudillo

D

Desarrollo Sostenible; por Gabriela Cordovez
Diez Claves del Diseñador Competitivo; por Revista Acto.
Diseñando con Bambú; por Freddy Alvear B.
Diseño como forma de vida; por Javier Gonzáles Solas, Foro Alpha
Diseño vinculado a la artesanía, valores éticos de esta unión; por Gabriela Cordovez
Drewinski, Lex, Perfil ; por Freddy Alvear
Dribbling… el aroma de la "Tricolor" ¿Clasifica al mundial?; por Freddy Alvear y Paul Astudillo

E

El Estudiante de Diseño; por Diego Hurtado
Expoartesanías; por Gabriela Cordovez
Expo Construcción y Expo Diseño 2007; por La Red Latinoamericana de Diseño

F

Falta del concepto del concurso de diseño en el Ecuador; por Paul Astudillo
Feria de Diseño en Bogotá, Termina; por Jorge Montaña
Feria Internacional del Diseño Bogotá 2006; por Freddy Alvear
Figueiro,Ricardo, Portafolio ; por Freddy Alvear
Fiscalización Teatro Sucre; por Prototipo Diseño

G

H

Habitáculo Sustetable (1); por Angel Lautaro Jácome

Habitáculo Sustetable (2); por Angel Lautaro Jácome

I

Iconos : Juicy Salif; por Freddy Alvear
Iconos: La Portada de Sgt. Peppers; por Gabriel Cuesta
Ideas y Representación; por Paul Astudillo
Identidad vs. Dependencia; por Angel Jácome
Ideoapp: Generando Ideas; por Paul Astudillo
Inspiración y Diseño; por Freddy Alvear

Inválidos…; por Gabriela Cordovez
Ive, Jonathan, perfil; por Freddy Alvear

J

Juicy Salif, Iconos; por Freddy Alvear
Juicy Salif, Omisión; por Prototipo Diseño

K

L

Lápiz de Acero, ganadores 2005; por Prototipo Diseño

M

Macabro Plan; por Paul Astudillo

Madexpo 2007; por Prototipo Diseño
Madexpo 2007: A un paso del diseño; por Freddy Alvear
Mariscal, Estudio, Perfil; por Freddy Alvear

Más sobre bambú; por Paul Astudillo
Menos forma, más cálculo; por Fernando Álvarez
Ministerio del Logotipo; por Juan Carlos Alvarado
Modelos, Simuladores y Prototipos; por Freddy Alvear
Muro de los Lamentos; por Guillermo Brea, tomado de Foro Alfa.

N

O

P

Perfil: Estudio Mariscal; por Freddy Alvear
Perfil: Jonathan Ive; por Freddy Alvear
Perfil: Lex Drewinski; por Freddy Alvear

Perfil: Storm Thorgerson; por Freddy Alvear
Políticas Editoriales; por Prototipo Diseño
Portada de Sgt. Peppers, Iconos; por Gabriel Cuesta
Portafolio Ricardo Figueiro; por Freddy Alvear
Producto Robusto; por Revista Acto
Prototipo en Colombia; por Freddy Alvear
Prototipo en el II Salón de Diseño 2006; por Gabriela Cordovez

Prototipo: Segundo Aniversario; por Prototipo Diseño

Q

R

Red Latinoamericana de Diseño; por Freddy Alvear
Revista Acto en Ecuador; por Prototipo Diseño

S

Salón de Diseño PUCE 2006; por Prototipo Diseño
Salón de Diseño PUCE 2006, Ganadores; por Gabriela Cordovez y Freddy Alvear
Salón de Diseño PUCE 2008; por Prototipo Diseño
Segundo Encuentro Latinoamericano de Diseño Palermo 2007; por Fernando Alvarez
Sistema de Suscripciones; por Prototipo Diseño

Storm Thorgerson, Perfil; por Freddy Alvear

T

U

Un año hablando de Diseño; por Prototipo Diseño

V

Ventana Uno: Sobre el diseño; por MDI Angel Lautaro Jácome.
Ventana Dos: La Práctica del Diseño; por MDI Angel Lautaro Jácome.
Ventana Tres: El campo del Diseño; por MDI Angel Lautaro Jácome.

W

X

Y

Z

Indice por Autores:

ACTO, Revista de la Universidad Nacional de Colombia

ALFA, Artículos Tomados de Foro Alfa

ALVARADO, Juan Carlos

Ministerio del Logotipo

ALVAREZ, Fernando

ALVEAR, Freddy

Absolut Quito
¿Coincidencia o Copia?, la Imagen de la Alcaldía de Cuenca
Diseñando con Bambú;
Drewinski, Lex, Perfil
Dribbling… el aroma de la "Tricolor" ¿Clasifica al mundial?; (Coautor Paúl Astudillo)
Feria Internacional del Diseño Bogotá 2006
Figueiro,Ricardo, Portafolio
Iconos : Juicy Salif
Inspiración y Diseño
Ive, Jonathan, perfil
Juicy Salif, Iconos
Mariscal, Estudio, Perfil
Madexpo 2007: A un paso del Diseño
Modelos, Simuladores y Prototipos
Perfil: Estudio Mariscal
Perfil: Jonathan Ive
Perfil: Lex Drewinski
Perfil: Storm Thorgerson
Portafolio Ricardo Figueiro
Prototipo en Colombia
Red Latinoamericana de Diseño
Salón de Diseño PUCE 2006, Ganadores (Coautora Gabriela Cordovez)
Storm Thorgerson, Perfil

ASTUDILLO, Paul:

BREA, Guillermo (Artículo Tomado de Foro Alfa)

Muro de los Lamentos, El

CORDOVEZ, Gabriela

CUESTA, Gabriel

Iconos: La portada de Sgt. Peppers

GONZALEZ, Javier

Diseño como forma de vida (Artículo Tomado de Foro Alfa)

HURTADO, Diego

JACOME, Angel Lautaro

MONTAÑA, Jorge

Feria de Diseño en Bogotá, Termina;

PROTOTIPO DISEÑO

La Red Latinoamericana de Diseño

Expo Construcción y Expo Diseño

SANCHEZ, Mauricio
OTALORA, Julio

Indice por Temas:

- Ventanas: Espacio para el desarrollo del Pensamiento de Diseño
- Mirando a todas partes: Artículos Extraídos de varias fuentes dedicadas al diseño
- Enlaces Destacados: Sitios Web destacados dedicados al diseño
- Iconos: Objetos de Diseño gráfico y de Productos que han marcado historia
- Perfiles: Artículos que narran la vida, obra, y visión de diseñadores importantes a través de la historia.
- Eventos: Ferias, congresos, conferencias, en Ecuador y América Latina

Prototipo en Colombia

2006-10-01T19:49:00.000-05:00

Dos editores de Prototipo estuvieron en el vecino país, Colombia. La experiencia sirvió para establecer nuevos vínculos y contactos con el siempre inquieto e innovador movimiento del diseño colombiano.

La Red Latinoamericana de Diseño y su editor Jorge Montaña nos abrió las puertas. Ahora tenemos más apertura en el portal, para los proyectos que Prototipo ofrecerá en el futuro.

Nuevas visiones. Mauricio Sánchez Valencia nos mostró sus ideas, y sus blogs: Pensamiento Tridimensional y Discursos de Diseño. En ellos, el pensamiento generado desde la academia hacia el diseño, resúmenes de sus libros y adelantos de los que vendrán. Blogs solo aptos para los que aman el diseño, contenidos extensos con innovadoras posiciones sobre el diseño.

La revista Acto, desde la Universidad Nacional de Colombia, contacto que se afianzó con la visita. Pronto tendremos algo más de sus contenidos, ya conocidos por nuestros lectores en Ecuador.

Por último, Prototipo visitó la revista Proyecto Diseño, cuyo enfoque hacia futuro es salir de Colombia, y volverse un medio Latinoamericano de la difusión del Diseño. Contacto fructífero que esperamos florezca en un futuro.

El diseño en Colombia va por el camino correcto, es fuerte y saludable a pesar de los problemas de relación con la industria, problemas que compartimos en el Ecuador.

El diseño no puede ser visto más como un problema local. Latinoamérica, como región comparte problemas, pero también el entusiasmo y la creatividad para solucionarlos. El diálogo y la cooperación entre los países se plantea como una solución. Prototipo abre una vez más su espacio, para todos los que creen que el Diseño es Pasión.

Links:

La Red Latinoamericana de Diseño
Pensamiento Tridimensional
Discursos de Diseño
Proyecto Diseño

Próximamente:

Un 5 de octubre, comenzó este sueño, este largo camino hablando sobre lo que más nos gusta. ¡Prototipo cumple un año! Ofreceremos una edición especial, sobre la visión, prospectivas y más sorpresas.

Escrito por:

Freddy Alvear
freddydab@gmail.com

Perfil: Lex Drewinski

2006-09-07T19:44:00.000-05:00

Comunicar con imágenes. Si alguien entiende la esencia del diseño gráfico, ese es Lex Drewinski.

Diseñador Gráfico, nacido en Szczecin Polonia, el 11 de septiembre de 1951. Estudió en la Facultad de Pintura, Arte Gráfico y Escultura de la Academia Estatal de Artes. Completó su formación en Diseño por Computadora en Gmbhin, Berlín

Lex Drewinski se dedica sobre todo al cartel. Su trabajo alrededor del tema de las problemáticas sociales lo ha vuelto uno de lo diseñadores más famosos del mundo.

Su trabajo se caracteriza por el uso de símbolos y elementos gráficos usados comúnmente (abstracciones de pictogramas señaléticos, códigos de barras, etc.) modificados y sacados de sus contextos originales en búsqueda de cuestionar al observador sobre problemáticas sociales, ambientales, políticas, etc.

Personalmente definiría su estilo como un minimalismo gráfico. La mayoría de sus carteles usan un máximo de tres colores (incluido el soporte), resaltando el concepto y aumentando el impacto aún mayor para el observador.

El resultado, carteles contundentes, en donde el uso de la palabra es mínimo y casi siempre innecesario, cumpliendo con el requisito de comunicar, principio y fin del diseño gráfico.

Sus carteles le han dado la vuelta al mundo, lo que habla además de lo universal de su obra, haciendo pensar a la gente, cuestionando, abriendo diálogos.

Su pensamiento se puede resumir en sus propias palabras, en una sola frase:

“Quitar algo de un cartel significa agregarle algo”

Fuentes:

www.a.com.cn
World Art

Escrito por:
Freddy Alvear B.